Edvard Munch (1863-1944) erschienen.

  • Beruf: Maler.
  • Residenzen: Oslo, Paris, Berlin.
  • Beziehung zu Mahler: Siehe Marina Fistoulari Mahler (1943).
  • Korrespondenz mit Mahler: Nein.
  • Geboren: 12 Adalsbruk, Norwegen.
  • Gestorben: 23-01-1944 Ekely bei Oslo (Christiania), Norwegen. 80 Jahre alt.
  • Begraben: 00-00-0000 Vår Frelsers gravlund, Oslo, Norwegen.

Edvard Munch war ein norwegischer Maler und Grafiker, dessen intensive Auseinandersetzung mit psychologischen Themen auf einigen der wichtigsten Grundsätze des Symbolismus des späten 19. Jahrhunderts aufbaute und den deutschen Expressionismus im frühen 20. Jahrhundert stark beeinflusste. Eines seiner bekanntesten Werke ist The Scream of 1893.

Edvard Munch wurde in einem Bauernhaus im Dorf Ådalsbruk in Løten, Norwegen, als Sohn von Laura Catherine Bjølstad und Christian Munch, dem Sohn eines Priesters, geboren. Christian war ein Arzt und Arzt, der 1861 Laura heiratete, eine Frau in seinem halben Alter. Edvard hatte eine ältere Schwester, Johanne Sophie, und drei jüngere Geschwister: Peter Andreas, Laura Catherine und Inger Marie. Sowohl Sophie als auch Edvard scheinen ihr künstlerisches Talent von ihrer Mutter geerbt zu haben. Edvard Munch war mit dem Maler Jacob Munch und dem Historiker Peter Andreas Munch verwandt.

Die Familie zog 1864 nach Christiania (heute Oslo), als Christian Munch zum medizinischen Offizier der Festung Akershus ernannt wurde. Edvards Mutter starb 1868 an Tuberkulose, ebenso wie Munchs Lieblingsschwester Johanne Sophie im Jahr 1877. Nach dem Tod ihrer Mutter wurden die Munch-Geschwister von ihrem Vater und ihrer Tante Karen aufgezogen. Edvard war oft für einen Großteil der Winter krank und hielt sich von der Schule fern. Er zeichnete, um sich zu beschäftigen. Er wurde von seinen Schulkameraden und seiner Tante unterrichtet. Christian Munch unterrichtete seinen Sohn auch in Geschichte und Literatur und unterhielt die Kinder mit lebhaften Geistergeschichten und den Geschichten des amerikanischen Schriftstellers Edgar Allan Poe.

Wie Edvard sich erinnerte, wurde Christians positives Verhalten gegenüber seinen Kindern von seinem krankhaften Pietismus überschattet. Munch schrieb: „Mein Vater war temperamentvoll nervös und besessen religiös - bis zur Psychoneurose. Von ihm habe ich die Samen des Wahnsinns geerbt. Die Engel der Angst, des Leidens und des Todes standen mir seit dem Tag meiner Geburt zur Seite. “Christian tadelte seine Kinder, indem er ihnen erzählte, dass ihre Mutter vom Himmel herabblickte und über ihr Fehlverhalten trauerte. Das bedrückende religiöse Milieu sowie Edvards schlechte Gesundheit und die lebhaften Geistergeschichten trugen dazu bei, seine makabren Visionen und Albträume zu inspirieren. Der Junge hatte das Gefühl, dass der Tod ständig auf ihn zukam. Bei einer der jüngeren Schwestern von Munch wurde schon früh eine psychische Erkrankung diagnostiziert. Von den fünf Geschwistern heiratete nur Andreas, starb jedoch einige Monate nach der Hochzeit. Munch schrieb später: "Ich habe zwei der schrecklichsten Feinde der Menschheit geerbt - das Erbe des Konsums und des Wahnsinns."

Christian Munchs militärischer Lohn war sehr niedrig, und seine Versuche, eine private Nebenpraxis zu entwickeln, scheiterten und hielten seine Familie in vornehmer, aber beständiger Armut. Sie zogen häufig von einer billigen Wohnung in eine andere. Munchs frühe Zeichnungen und Aquarelle zeigten diese Innenräume und die einzelnen Objekte wie Medizinflaschen und Zeichengeräte sowie einige Landschaften. Als Teenager dominierte die Kunst Munchs Interessen. Mit dreizehn Jahren hatte Munch seine erste Begegnung mit anderen Künstlern bei der neu gegründeten Art Association, wo er die Arbeit der norwegischen Landschaftsschule bewunderte. Er kehrte zurück, um die Bilder zu kopieren, und bald begann er, in Öl zu malen.

Studien und Einflüsse

1879 schrieb sich Munch an einer technischen Hochschule ein, um Ingenieurwissenschaften zu studieren, wo er sich in Physik, Chemie und Mathematik auszeichnete. Er lernte skaliertes und perspektivisches Zeichnen, aber häufige Krankheiten unterbrachen sein Studium. Im folgenden Jahr verließ Munch, sehr zur Enttäuschung seines Vaters, das College entschlossen, Maler zu werden. Sein Vater betrachtete Kunst als „unheiligen Beruf“, und seine Nachbarn reagierten bitter und schickten ihm anonyme Briefe. Im Gegensatz zum tollwütigen Pietismus seines Vaters nahm Munch eine undogmatische Haltung gegenüber der Kunst ein. Er schrieb sein Ziel in sein Tagebuch: "In meiner Kunst versuche ich, mir das Leben und seinen Sinn zu erklären."

1881 schrieb sich Munch an der Royal School of Art and Design von Christiania ein, deren Gründer sein entfernter Verwandter Jacob Munch war. Seine Lehrer waren der Bildhauer Julius Middelthun und der naturalistische Maler Christian Krohg. In diesem Jahr demonstrierte Munch in seinen ersten Porträts, darunter eines seines Vaters und sein erstes Selbstporträt, wie schnell er sein Figurentraining an der Akademie aufnahm. 1883 nahm Munch an seiner ersten öffentlichen Ausstellung teil und teilte sich ein Studio mit anderen Studenten. Sein abendfüllendes Porträt von Karl Jensen-Hjell, einem berüchtigten Bohemian über die Stadt, brachte die abweisende Antwort eines Kritikers hervor: „Es ist ein extremer Impressionismus. Es ist eine Travestie der Kunst. “ Munchs Aktbilder aus dieser Zeit sind bis auf Standing Nude (1887) nur in Skizzen erhalten. Sie könnten von seinem Vater beschlagnahmt worden sein.

In diesen frühen Jahren experimentierte Munch mit vielen Stilen, einschließlich Naturalismus und Impressionismus. Einige frühe Werke erinnern an Manet. Viele dieser Versuche brachten ihm ungünstige Kritik aus der Presse und brachten ihm ständige Rügen seines Vaters ein, der ihm dennoch kleine Summen für die Lebenshaltungskosten zur Verfügung stellte. Irgendwann jedoch zerstörte Munchs Vater, vielleicht beeinflusst von der negativen Meinung von Munchs Cousin Edvard Diriks (einem etablierten, traditionellen Maler), mindestens ein Gemälde (wahrscheinlich ein Akt) und weigerte sich, mehr Geld für Kunstbedarf vorzuschieben.

Munch empfing auch den Zorn seines Vaters für seine Beziehung zu Hans Jæger, dem lokalen Nihilisten, der nach dem Kodex „Eine Leidenschaft zum Zerstören ist auch eine kreative Leidenschaft“ lebte und Selbstmord als ultimativen Weg in die Freiheit befürwortete. Munch geriet in seinen böswilligen Anti-Establishment-Bann. „Meine Ideen entwickelten sich unter dem Einfluss der Bohemiens oder vielmehr unter Hans Jæger. Viele Leute haben fälschlicherweise behauptet, meine Ideen seien unter dem Einfluss von Strindberg und den Deutschen entstanden… aber das ist falsch. Sie waren zu diesem Zeitpunkt bereits gebildet worden. “ Zu dieser Zeit war Munch im Gegensatz zu vielen anderen Bohemiens immer noch respektvoll gegenüber Frauen sowie zurückhaltend und gutmütig, aber er begann, den Alkoholexzessen und Schlägereien seines Kreises nachzugeben. Er war verunsichert über die damalige sexuelle Revolution und die unabhängigen Frauen um ihn herum. Später wurde er in sexuellen Angelegenheiten zynisch und drückte sich nicht nur in seinem Verhalten und seiner Kunst aus, sondern auch in seinen Schriften. Ein Beispiel dafür ist ein langes Gedicht namens Die Stadt der freien Liebe. Munchs Beziehung zu seinem Vater war für viele seiner Mahlzeiten immer noch von seiner Familie abhängig und blieb angespannt, weil er sich Sorgen um sein böhmisches Leben machte.

Nach zahlreichen Experimenten kam Munch zu dem Schluss, dass die impressionistische Sprache keine ausreichende Expression zuließ. Er fand es oberflächlich und zu ähnlich zu wissenschaftlichen Experimenten. Er hatte das Bedürfnis, tiefer zu gehen und Situationen zu erkunden, die voller emotionaler Inhalte und Ausdrucksenergie sind. Unter Jægers Gebot, dass Munch „sein Leben schreiben“ sollte, was bedeutet, dass Munch seinen eigenen emotionalen und psychologischen Zustand erforschen sollte, begann der junge Künstler eine Phase der Reflexion und Selbstprüfung und hielt seine Gedanken in seinem „Seelentagebuch“ fest. Diese tiefere Perspektive verhalf ihm zu einer neuen Sichtweise seiner Kunst. Er schrieb, dass sein Gemälde The Sick Child (1886), basierend auf dem Tod seiner Schwester, sein erstes „Seelenbild“ war, seine erste Pause vom Impressionismus. Das Gemälde erhielt eine negative Resonanz von Kritikern und seiner Familie und verursachte einen weiteren „gewaltsamen Ausbruch moralischer Empörung“ in der Gemeinde.

Nur sein Freund Christian Krohg verteidigte ihn:

Er malt oder betrachtet Dinge auf eine Weise, die sich von der anderer Künstler unterscheidet. Er sieht nur das Wesentliche, und das ist natürlich alles, was er malt. Aus diesem Grund sind Munchs Bilder in der Regel „nicht vollständig“, da die Menschen sich so freuen, sie selbst zu entdecken. Oh ja, sie sind vollständig. Seine komplette Handarbeit. Die Kunst ist vollständig, wenn der Künstler wirklich alles gesagt hat, was ihm in den Sinn kam, und genau das ist der Vorteil, den Munch gegenüber Malern der anderen Generation hat, dass er wirklich weiß, wie er uns zeigen kann, was er gefühlt hat und was ihn gepackt hat. und dem ordnet er alles andere unter.

Munch setzte in den 1880er und frühen 1890er Jahren weiterhin eine Vielzahl von Pinselstrich-Techniken und Farbpaletten ein, als er sich bemühte, seinen Stil zu definieren. Seine Redewendung schwankte weiterhin zwischen naturalistisch wie im Porträt von Hans Jæger und impressionistisch wie in der Rue Lafayette. Sein Inger On the Beach (1889), der einen weiteren Sturm der Verwirrung und Kontroverse verursachte, deutet auf die vereinfachten Formen, starken Umrisse, scharfen Kontraste und den emotionalen Inhalt seines zukünftigen reifen Stils hin. Er begann seine Kompositionen sorgfältig zu berechnen, um Spannung und Emotionen zu erzeugen. Während es stilistisch von den Postimpressionisten beeinflusst wurde, entwickelte sich ein inhaltlich symbolistisches Thema, das eher einen Geisteszustand als eine äußere Realität darstellte. 1889 präsentierte Munch seine erste Einzelausstellung fast aller seiner bisherigen Werke. Die Anerkennung führte zu einem zweijährigen staatlichen Stipendium für ein Studium in Paris bei dem französischen Maler Léon Bonnat.

Paris

Munch kam während der Feierlichkeiten der Exposition Universelle (1889) nach Paris und war mit zwei norwegischen Künstlerkollegen zusammen. Sein Bild Morning (1884) wurde im norwegischen Pavillon ausgestellt. Er verbrachte seine Vormittage in Bonnats geschäftigem Studio (zu dem auch weibliche Live-Models gehörten) und Nachmittage in der Ausstellung, in Galerien und Museen (wo von den Studenten Kopien angefertigt werden sollten, um Technik und Beobachtung zu lernen). Munch zeigte wenig Begeisterung für Bonnats Zeichenunterricht - "Es ermüdet und langweilt mich - es ist betäubend" -, genoss aber den Kommentar des Meisters während der Museumsreisen.

Munch war fasziniert von der großen Auswahl moderner europäischer Kunst, einschließlich der Werke von drei Künstlern, die sich als einflussreich erweisen würden: Paul Gauguin, Vincent van Gogh und Henri de Toulouse-Lautrec - alle bemerkenswert dafür, wie sie Farben verwendeten, um Emotionen zu vermitteln. Munch war besonders inspiriert von Gauguins „Reaktion gegen den Realismus“ und seinem Credo, dass „Kunst menschliches Werk und keine Nachahmung der Natur ist“, eine Überzeugung, die Whistler zuvor vertreten hatte. Einer seiner Berliner Freunde sagte später über Munch: „Er muss nicht nach Tahiti gehen, um das Primitive in der menschlichen Natur zu sehen und zu erleben. Er trägt sein eigenes Tahiti in sich. “

In diesem Dezember starb sein Vater und ließ Munchs Familie mittellos zurück. Er kehrte nach Hause zurück und arrangierte einen großen Kredit von einem wohlhabenden norwegischen Sammler, als wohlhabende Verwandte nicht halfen, und übernahm fortan die finanzielle Verantwortung für seine Familie. Christians Tod bedrückte ihn und er wurde von Selbstmordgedanken geplagt: „Ich lebe mit den Toten - meine Mutter, meine Schwester, mein Großvater, mein Vater… Töte dich selbst und dann ist es vorbei. Warum leben? " Munchs Gemälde des folgenden Jahres enthielten skizzenhafte Tavernenszenen und eine Reihe heller Stadtlandschaften, in denen er mit dem pointillistischen Stil von Georges Seurat experimentierte.

Berlin

Bis 1892 formulierte Munch seine charakteristische und originelle synthetistische Ästhetik, wie sie in Melancholy (1891) zu sehen ist, in der Farbe das symbolreiche Element ist. Melancholie wurde vom Künstler und Journalisten Christian Krohg als erstes symbolistisches Gemälde eines norwegischen Künstlers angesehen und 1891 auf der Herbstausstellung in Oslo ausgestellt. 1892 lud Adelsteen Normann im Auftrag der Union der Berliner Künstler Munch ein, auf seiner Novemberausstellung, der ersten Einzelausstellung der Gesellschaft, auszustellen. Seine Bilder lösten jedoch bittere Kontroversen aus (genannt „The Munch Affair“), und nach einer Woche wurde die Ausstellung geschlossen. Munch war mit der „großen Aufregung“ zufrieden und schrieb in einem Brief: „Ich hatte noch nie eine so amüsante Zeit - es ist unglaublich, dass etwas so Unschuldiges wie das Malen so viel Aufsehen erregt haben sollte.“

In Berlin engagierte sich Munch in einem internationalen Kreis von Schriftstellern, Künstlern und Kritikern, darunter der schwedische Dramatiker und führende Intellektuelle August Strindberg, den er 1892 malte. Während seiner vier Jahre in Berlin skizzierte Munch die meisten Ideen, die sich daraus ergeben würden Sein Hauptwerk, The Frieze of Life, wurde zuerst für die Buchillustration entworfen, später jedoch in Gemälden zum Ausdruck gebracht. Er verkaufte wenig, verdiente aber etwas mit der Erhebung von Eintrittsgeldern, um seine kontroversen Gemälde zu sehen. Munch zeigte bereits eine Abneigung, sich von seinen Gemälden zu trennen, die er seine „Kinder“ nannte.

Seine anderen Gemälde, einschließlich Casinoszenen, zeigen eine Vereinfachung von Form und Detail, die seinen frühen reifen Stil kennzeichnete. Munch begann auch, einen flachen Bildraum und eine minimale Kulisse für seine Frontalfiguren zu bevorzugen. Da Posen ausgewählt wurden, um die überzeugendsten Bilder von Geisteszuständen und psychischen Zuständen wie in Asche zu erzeugen, verleihen die Figuren eine monumentale, statische Qualität. Munchs Figuren scheinen auf einer Theaterbühne (Tod im Krankenzimmer) eine Rolle zu spielen, deren Pantomime fester Haltungen verschiedene Emotionen anzeigt; Da jede Figur wie in The Scream eine einzige psychologische Dimension verkörpert, erscheinen Munchs Männer und Frauen eher symbolisch als realistisch. Er schrieb: „Es sollten keine Innenräume mehr gestrichen, Menschen gelesen und Frauen gestrickt werden: Es würde lebende Menschen geben, die atmen und fühlen, leiden und lieben.“

Der Schrei (1893)

Der Schrei existiert in vier Versionen: zwei Pastelle (1893 und 1895) und zwei Gemälde (1893 und 1910). Es gibt auch mehrere Lithographien von The Scream (1895 und später). Das Pastell von 1895 wurde am 2. Mai 2012 für 119,922,500 US-Dollar einschließlich Provision versteigert. Es ist die farbenfrohste der Versionen und zeichnet sich durch die nach unten gerichtete Haltung einer seiner Hintergrundfiguren aus. Es ist auch die einzige Version, die nicht von einem norwegischen Museum gehalten wird. Die Version von 1893 wurde 1994 aus der Nationalgalerie in Oslo gestohlen und geborgen. Das Gemälde von 1910 wurde 2004 aus dem Munch Museum in Oslo gestohlen, aber 2006 mit begrenztem Schaden geborgen.

Der Schrei ist Munchs berühmtestes Werk und eines der bekanntesten Gemälde aller Kunst. Es wurde weithin als Repräsentation der universellen Angst des modernen Menschen interpretiert. Gemalt mit breiten Bändern von greller Farbe und stark vereinfachten Formen und unter Verwendung eines hohen Blickwinkels, reduziert es die gequälte Figur auf einen gekleideten Schädel mitten in einer emotionalen Krise.

1893. Edvard Munch (1863-1944). Der Schrei.

Mit diesem Gemälde erreichte Munch sein erklärtes Ziel: „Das Studium der Seele, das heißt das Studium meines eigenen Selbst“. Munch schrieb über die Entstehung des Gemäldes: „Ich ging mit zwei Freunden die Straße entlang, als die Sonne unterging; plötzlich wurde der Himmel blutrot. Ich blieb stehen und lehnte mich gegen den Zaun. Ich fühlte mich unbeschreiblich müde. Feuer- und Blutzungen erstreckten sich über den bläulich-schwarzen Fjord. Meine Freunde gingen weiter, während ich vor Angst zitterte. Dann hörte ich den enormen, unendlichen Schrei der Natur. “ Später beschrieb er die persönliche Qual hinter dem Gemälde: „Ich war mehrere Jahre lang fast verrückt… Sie kennen mein Bild‚ Der Schrei? ' Ich war bis an die Grenzen gedehnt - die Natur schrie in meinem Blut… Danach gab ich die Hoffnung auf, jemals wieder lieben zu können. “

Die Autorin Martha Tedeschi fasste die Auswirkungen des Gemäldes zusammen und erklärte: „Whistlers Mutter, Woods amerikanische Gotik, Leonardo da Vincis Mona Lisa und Edvard Munchs The Scream haben alle etwas erreicht, was die meisten Gemälde - unabhängig von ihrer kunsthistorischen Bedeutung, Schönheit oder Geldmenge - erreicht haben Wert - nicht: Sie teilen fast jedem Betrachter fast sofort eine bestimmte Bedeutung mit. Diese wenigen Werke haben erfolgreich den Übergang vom Elitebereich des Museumsbesuchers zum riesigen Veranstaltungsort der Populärkultur geschafft. “

Fries des Lebens - Ein Gedicht über Leben, Liebe und Tod

Im Dezember 1893 war Unter den Linden in Berlin Schauplatz einer Ausstellung von Munchs Werken, in der unter anderem sechs Gemälde mit dem Titel Study for a Series: Love gezeigt wurden. Dies begann einen Zyklus, den er später den Fries des Lebens nannte - ein Gedicht über Leben, Liebe und Tod. „Frieze of Life“ -Motive wie The Storm und Moonlight sind atmosphärisch. Andere Motive wie Rose, Amelie und Vampire beleuchten die nächtliche Seite der Liebe. In Death in the Sickroom geht es um den Tod seiner Schwester Sophie, die er in vielen zukünftigen Variationen überarbeitet hat. Der dramatische Fokus des Gemäldes, das seine gesamte Familie darstellt, ist in den getrennten und unzusammenhängenden Figuren der Trauer verstreut. 1894 erweiterte er das Motivspektrum um Angst, Asche, Madonna und Frauen in drei Stufen (von der Unschuld bis ins hohe Alter).

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts arbeitete Munch daran, den „Fries“ fertigzustellen. Er malte eine Reihe von Bildern, einige davon in größerem Format und teilweise mit der Jugendstil-Ästhetik der Zeit. Er fertigte einen Holzrahmen mit geschnitzten Reliefs für das große Gemälde Metabolism (1898) an, das ursprünglich Adam und Eva hieß. Diese Arbeit zeigt Munchs Beschäftigung mit dem „Sündenfall“ und seiner pessimistischen Liebesphilosophie. Motive wie The Empty Cross und Golgotha ​​(beide um 1900) spiegeln eine metaphysische Orientierung wider und spiegeln auch Munchs pietistische Erziehung wider. Der gesamte Fries wurde 1902 erstmals auf der Sezessionsausstellung in Berlin gezeigt.

Die Themen „Der Fries des Lebens“ tauchen in Munchs Werken immer wieder auf, aber er konzentrierte sich Mitte der 1890er Jahre besonders auf sie. In Skizzen, Gemälden, Pastellen und Drucken nutzte er die Tiefen seiner Gefühle, um seine Hauptmotive zu untersuchen: die Lebensabschnitte, die Femme Fatale, die Hoffnungslosigkeit der Liebe, Angst, Untreue, Eifersucht, sexuelle Demütigung und Trennung im Leben und Tod. Diese Themen kommen in Gemälden wie The Sick Child (1885), Love and Pain (mit dem Titel Vampire; 1893-94), Ashes (1894) und The Bridge zum Ausdruck. Letzteres zeigt schlaffe Figuren mit merkwürdigen oder verborgenen Gesichtern, über denen die bedrohlichen Formen schwerer Bäume und brütender Häuser auftauchen. Munch porträtierte Frauen entweder als gebrechliche, unschuldige Leidende (siehe Pubertät und Liebe und Schmerz) oder als Ursache für große Sehnsucht, Eifersucht und Verzweiflung (siehe Trennung, Eifersucht und Asche).

Munch verwendet häufig Schatten und Farbringe um seine Figuren, um eine Aura von Angst, Bedrohung, Angst oder sexueller Intensität hervorzuheben. Diese Bilder wurden als Reflexionen der sexuellen Ängste des Künstlers interpretiert, obwohl man auch argumentieren könnte, dass sie seine turbulente Beziehung zur Liebe selbst und seinen allgemeinen Pessimismus in Bezug auf die menschliche Existenz darstellen. Viele dieser Skizzen und Gemälde wurden in verschiedenen Versionen wie Madonna, Hands and Puberty angefertigt und auch als Holzschnittdrucke und Lithografien transkribiert. Munch hasste es, sich von seinen Gemälden zu trennen, weil er seine Arbeit als einen einzigen Ausdruckskörper betrachtete.

Um aus seiner Produktion Kapital zu schlagen und etwas Geld zu verdienen, wandte er sich der Grafik zu, um viele seiner berühmtesten Gemälde zu reproduzieren, einschließlich der in dieser Serie. Munch gab die persönlichen Ziele seiner Arbeit zu, bot seine Kunst aber auch einem breiteren Zweck an: „Meine Kunst ist wirklich ein freiwilliges Geständnis und ein Versuch, mir meine Beziehung zum Leben zu erklären - es ist daher tatsächlich eine Art Egoismus , aber ich hoffe ständig, dass ich dadurch anderen helfen kann, Klarheit zu erlangen. “

Während Munch stark negative Reaktionen hervorrief, begann er in den 1890er Jahren ein gewisses Verständnis für seine künstlerischen Ziele zu erlangen, wie ein Kritiker schrieb: „Mit rücksichtsloser Verachtung für Form, Klarheit, Eleganz, Ganzheitlichkeit und Realismus malt er am meisten mit intuitiver Talentstärke subtile Visionen der Seele. “ Einer seiner großen Unterstützer in Berlin war Walther Rathenau, später der deutsche Außenminister, der maßgeblich zu seinem Erfolg beitrug.

Paris, Berlin und Christiania

1896 zog Munch nach Paris, wo er sich auf grafische Darstellungen seiner Themen „Frieze of Life“ konzentrierte. Er entwickelte seinen Holzschnitt und seine Lithografietechnik weiter. Munchs Selbstporträt mit Skelettarm (1895) wird mit einer Ätznadel-Tinte-Methode erstellt, die auch von Paul Klee verwendet wird. Munch produzierte auch mehrfarbige Versionen von „The Sick Child“, die sich gut verkauften, sowie mehrere Akte und mehrere Versionen von Kiss (1892). Viele der Pariser Kritiker betrachteten Munchs Werk immer noch als „gewalttätig und brutal“, aber seine Ausstellungen fanden ernsthafte Beachtung und wurden gut besucht. Seine finanzielle Situation verbesserte sich erheblich und 1897 kaufte sich Munch ein Sommerhaus mit Blick auf die Fjorde von Christiania, eine kleine Fischerhütte aus dem späten 18. Jahrhundert in der norwegischen Kleinstadt Åsgårdstrand. Er nannte dieses Haus das „Happy House“ und kehrte in den nächsten 20 Jahren fast jeden Sommer hierher zurück. Es war dieser Ort, den er vermisste, als er im Ausland war, und in der Zeit fühlte er sich deprimiert und erschöpft. „In Åsgårdstrand spazieren zu gehen ist wie zwischen meinen Gemälden zu spazieren - ich werde so inspiriert zu malen, wenn ich hier bin.“

1897 kehrte Munch nach Christiania zurück, wo er auch widerwillig angenommen wurde - ein Kritiker schrieb: „Eine ganze Reihe dieser Bilder wurden bereits ausgestellt. Meiner Meinung nach verbessern sich diese bei der Bekanntschaft. “ 1899 begann Munch eine enge Beziehung zu Tulla Larsen, einer „befreiten“ Frau der Oberschicht. Sie reisten zusammen nach Italien und nach seiner Rückkehr begann Munch eine weitere fruchtbare Periode in seiner Kunst, die Landschaften und sein letztes Gemälde in der Serie „Der Fries des Lebens“, Der Tanz des Lebens (1899), umfasste. Larsen wollte unbedingt heiraten, und Munch bettelte los.

Sein Alkoholkonsum und sein schlechter Gesundheitszustand verstärkten seine Befürchtungen, als er in der dritten Person schrieb: „Seit seiner Kindheit hatte er die Ehe gehasst. Sein krankes und nervöses Zuhause hatte ihm das Gefühl gegeben, dass er kein Recht hatte zu heiraten. “ Munch hätte Tulla beinahe nachgegeben, floh jedoch 1900 vor ihr, wandte sich ebenfalls von ihrem beträchtlichen Vermögen ab und zog nach Berlin. Seine Girls on the Jetty, die in achtzehn verschiedenen Versionen erstellt wurden, demonstrierten das Thema der weiblichen Jugend ohne negative Konnotationen. 1902 stellte er seine Werke thematisch in der Halle der Berliner Secession aus und erzeugte "einen symphonischen Effekt - er sorgte für großes Aufsehen - viel Antagonismus - und viel Anerkennung." Die Berliner Kritiker begannen Munchs Arbeit zu schätzen, obwohl die Öffentlichkeit seine Arbeit immer noch fremd und seltsam fand.

1902-1903. Edvard Munch (1863-1944). Sommernacht am Strand. Sehen Marina Fistoulari Mahler (1943).

Die gute Berichterstattung in der Presse erregte die Aufmerksamkeit der einflussreichen Gönner Albert Kollman und Max Linde. In seinem Tagebuch beschrieb er die Wendung der Ereignisse: "Nach zwanzig Jahren des Kampfes und des Elends kommen mir endlich Kräfte des Guten in Deutschland zu Hilfe - und eine helle Tür öffnet sich für mich." Trotz dieser positiven Veränderung war Munchs selbstzerstörerisches und unberechenbares Verhalten zunächst mit einem heftigen Streit mit einem anderen Künstler verbunden, dann mit einem versehentlichen Schießen in Gegenwart von Tulla Larsen, die für eine kurze Versöhnung zurückgekehrt war und zwei seiner verletzt hatte Finger. Sie verließ ihn schließlich und heiratete einen jüngeren Kollegen von Munch. Munch nahm dies als Verrat, und er dachte noch einige Zeit über die Demütigung nach und kanalisierte einen Teil der Bitterkeit in neue Gemälde. Seine Gemälde Stillleben (Die Mörderin) und Der Tod von Marat I aus den Jahren 1906-1907 beziehen sich deutlich auf den Schießereignis und die emotionalen Nachwirkungen.

In den Jahren 1903-1904 stellte Munch in Paris aus, wo die kommenden Fauvisten, die für ihre kühnen Falschfarben bekannt sind, wahrscheinlich seine Werke sahen und möglicherweise Inspiration in ihnen gefunden haben. Als die Fauves 1906 ihre eigene Ausstellung abhielten, wurde Munch eingeladen und zeigte seine Werke mit ihnen. Nach dem Studium der Skulptur von Rodin hat Munch vielleicht mit Plastilin als Gestaltungshilfe experimentiert, aber er hat wenig Skulptur hergestellt. Während dieser Zeit erhielt Munch viele Aufträge für Porträts und Drucke, was seine normalerweise prekäre finanzielle Situation verbesserte. 1906 malte er die Leinwand für ein Ibsen-Stück im Berliner Deutschen Theater, dem kleinen Kammerspiele, in dem der Fries des Lebens aufgehängt war. Der Theaterdirektor Max Reinhardt verkaufte es später; es ist jetzt in der Berliner Nationalgalerie. Nach einer früheren Zeit der Landschaften wandte er sich 1907 wieder menschlichen Figuren und Situationen zu.

1907. Edvard Munch (1863-1944). Das kranke Kind.

Zusammenbruch und Erholung

Im Herbst 1908 war Munchs Angst, verstärkt durch übermäßiges Trinken und Schlägerei, akut geworden. Wie er später schrieb: "Mein Zustand war fast verrückt - es war Touch and Go." Vorbehaltlich Halluzinationen und Verfolgungsgefühlen betrat er die Klinik von Dr. Daniel Jacobson. Die Therapie, die Munch für die nächsten acht Monate erhielt, umfasste Diät und „Elektrifizierung“ (eine Behandlung, die damals für nervöse Zustände in Mode war, nicht zu verwechseln mit Elektrokrampftherapie). Munchs Krankenhausaufenthalt stabilisierte seine Persönlichkeit und nach seiner Rückkehr nach Norwegen im Jahr 1909 wurde seine Arbeit bunter und weniger pessimistisch. Um seine Stimmung weiter aufzuhellen, erwärmte sich die breite Öffentlichkeit von Christiania schließlich für seine Arbeit, und Museen begannen, seine Gemälde zu kaufen. Er wurde zum Ritter des Königlichen Ordens von St. Olav „für Dienste in der Kunst“ ernannt. Seine erste amerikanische Ausstellung war 1912 in New York.

1912. Edvard Munch (1863-1944).

Im Rahmen seiner Genesung riet Dr. Jacobson Munch, nur mit guten Freunden in Kontakt zu treten und das Trinken in der Öffentlichkeit zu vermeiden. Munch folgte diesem Rat und erstellte dabei mehrere Porträts in voller Länge von hoher Qualität von Freunden und Gönnern - ehrliche Darstellungen ohne Schmeichelei. Er schuf auch Landschaften und Szenen von Menschen bei der Arbeit und beim Spielen mit einem neuen optimistischen Stil - breite, lockere Pinselstriche in leuchtenden Farben mit häufiger Verwendung von Leerzeichen und seltener Verwendung von Schwarz - mit nur gelegentlichen Verweisen auf seine krankhaften Themen. Mit mehr Einkommen konnte Munch mehrere Immobilien kaufen, die ihm neue Perspektiven für seine Kunst eröffneten, und er konnte schließlich für seine Familie sorgen.

Bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs fand ich Munch mit geteilten Loyalitäten, wie er sagte: "Alle meine Freunde sind Deutsche, aber es ist Frankreich, das ich liebe." In den 1930er Jahren verloren seine deutschen Gönner, viele Juden, während des Aufstiegs der Nazibewegung ihr Vermögen und einige ihr Leben. Munch fand norwegische Drucker als Ersatz für die Deutschen, die seine grafischen Arbeiten gedruckt hatten. Aufgrund seiner schlechten Gesundheitsgeschichte hatte Munch 1918 das Glück, einen Anfall der spanischen Grippe, der weltweiten Pandemie dieses Jahres, überlebt zu haben.

Spätere Jahre

Munch verbrachte den größten Teil seiner letzten zwei Jahrzehnte in Einsamkeit auf seinem fast autarken Anwesen in Ekely in Skøyen, Oslo. Viele seiner späten Gemälde feiern das Leben auf dem Bauernhof, darunter einige, in denen er sein Arbeitspferd „Rousseau“ als Vorbild verwendete. Ohne Anstrengung zog Munch einen stetigen Strom weiblicher Models an, die er als Gegenstand zahlreicher Aktbilder malte. Er hatte wahrscheinlich sexuelle Beziehungen zu einigen von ihnen. Munch verließ gelegentlich sein Haus, um im Auftrag Wandbilder zu malen, einschließlich solcher, die für die Freia-Schokoladenfabrik angefertigt wurden.

Bis zu seinem Lebensende malte Munch weiterhin schonungslose Selbstporträts, was zu seinem selbstsuchenden Lebenszyklus und seiner unerschütterlichen Reihe von Einstellungen zu seinen emotionalen und physischen Zuständen beitrug. In den 1930er und 1940er Jahren bezeichneten die Nazis Munchs Werk als „entartete Kunst“ (zusammen mit dem von Picasso, Paul Klee, Matisse, Gauguin und vielen anderen modernen Künstlern) und entfernten seine 82 Werke aus deutschen Museen. Adolf Hitler kündigte 1937 an: "Soweit es uns interessiert, können diese prähistorischen Barbaren und Kunststotterer der Steinzeitkultur in die Höhlen ihrer Vorfahren zurückkehren und dort ihre primitiven internationalen Kratzer anwenden."

Edvard Munch (1863-1944).

1940 fielen die Deutschen in Norwegen ein und die NSDAP übernahm die Regierung. Munch war 76 Jahre alt. Mit fast einer ganzen Sammlung seiner Kunst im zweiten Stock seines Hauses lebte Munch in Angst vor einer Beschlagnahme durch die Nazis. Einundsiebzig der zuvor von den Nazis gemalten Gemälde waren durch den Kauf durch Sammler nach Norwegen zurückgebracht worden (die anderen elf wurden nie geborgen), darunter The Scream und The Sick Child, und auch sie waren vor den Nazis versteckt.

Munch starb am 23. Januar 1944 in seinem Haus in Ekely bei Oslo, ungefähr einen Monat nach seinem 80. Geburtstag. Seine von den Nazis orchestrierte Beerdigung ließ die Norweger vermuten, dass er ein Sympathisant der Nazis war, eine Art Aneignung des unabhängigen Künstlers. Die Stadt Oslo kaufte das Anwesen Ekely 1946 von Munchs Erben; Sein Haus wurde im Mai 1960 abgerissen. 

Hauptarbeiten

  • 1892: Abend auf Karl Johan.
  • 1893: Der Schrei.
  • 1894: Asche.
  • 1894-1895: Madonna.
  • 1895: Pubertät.
  • 1895: Selbstporträt mit brennender Zigarette.
  • 1895: Tod im Krankenzimmer.
  • 1899–1900: Der Tanz des Lebens.
  • 1899–1900: Die tote Mutter.
  • 1903: Dorf im Mondlicht.
  • 1940–1942: Selbstporträt: Zwischen Uhr und Bett.

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