Höranleitung – Teil 1: Andante comodo

Abschrift

Typisch für Mahler-Symphonien präsentiert der erste Satz einen Konflikt zwischen Themengruppen, die als Antagonisten fungieren, der sich zu einem katastrophalen Höhepunkt steigert, nach dem eine Auflösung ungewiss bleibt. Der Dualismus der Materie wird als Substanz einer existenziellen Krise des menschlichen Geistes dargestellt, wie er dem modernen Leben gegenübersteht. Zwei Hauptthemen in kontrastierenden Tonalitäten von D-Dur und -Moll repräsentieren positive und negative Kräfte des menschlichen Geistes, das eine liebevoll, warm und sanft, das andere hart, schrill und brutal. Diese gegensätzlichen Kräfte werden im Laufe der Bewegung immer kämpferischer, bis ein überwältigender Höhepunkt sie beide zerschmettert. Doch wie durch ein Wunder fließen die Fäden dieser Themen zusammen und erzeugen ein wohliges Gefühl heiterer Ruhe, das am Ende des Satzes die Ordnung wiederherstellt. Mehrere Zellenfiguren, die während der Einleitung präsentiert werden, fungieren als Motive im ganzen Satz:

– Erstens eine marschartige rhythmische Figur aus vier Viertelnoten, die in einem nach oben gewölbten Bogen geformt sind, unter Weglassung des dritten Taktschlags, den ich das lebensbejahende Schicksalsmotiv nenne. Es erinnert an den Pizzicato-Rhythmus, der dem Hauptthema des langsamen Satzes der Vierten Symphonie zugrunde liegt.
– Das zweite Motiv, eine synkopierte viertönige Figur aus wiederholten Tönen, die wie eine rhythmisch verzerrte und melodisch horizontale Version dieser marschartigen Figur klingt, die ich das lebensnegierende Schicksalsmotiv nenne.

Es wurde vermutet, dass diese synkopierte Figur ihren Ursprung in Mahlers Herzrhythmusstörungen haben könnte, die seinen angeblich fehlerhaften Herzschlag darstellen und somit seinen eigenen Tod symbolisieren. Es gibt keine mir bekannten Beweise für diese Theorie, wenn diese beiden im Grunde rhythmischen Mottos durchaus metaphorisch behandelt werden könnten, indem man den stetigen marschartigen Rhythmus des lebensbejahenden Schicksalsmotivs auf einen normalen Herzschlag und den synkopierten Rhythmus der das lebensnegierende Schicksalsmotiv zu einem abnormalen Herzschlag. Mahler war sich seines Herzproblems durchaus bewusst und hätte es unbewusst in der Musik auf diese dualistischen Motive übertragen können. Eine andere Analogie könnte Mahlers rhythmisches Schritttempo im Vergleich zu einem gleichmäßigen Marschtakt machen. Natürlich sind solche Ähnlichkeiten zwischen menschlicher Physiologie und musikalischem Rhythmus sowohl phantasievoll als auch unnötig, um die motivische Dualität zu verstehen, die Mahler in diesen gegensätzlichen rhythmischen Figuren präsentiert. Das dritte Anfangsmotiv ist eine fünftönige Phrase, die mit einer steigenden Quarte beginnt und endet und wie eine heroische Aufforderung zur Bejahung des Lebens klingt, sie wird zuerst auf einem Horn gehört.

Das vierte dieser Anfangsmotive ist eine fallende Sekunde des Abschiedsmotivs aus ihrem Op-Sheet.

Diese molekularen Figuren fungieren während des gesamten Satzes als symbolische Elemente in einem todesähnlichen Kampf zwischen positiven und negativen Kräften des menschlichen Geistes.

Alban Berg beschreibt in einem Brief an seine Frau aus dem Herbst 1912 seinen Eindruck von der Bewegung. Er sagt: „Die ganze Bewegung basiert auf einer ständig wiederkehrenden Todesahnung, alle irdischen Träume kulminieren in diesem Höhepunkt. Deshalb folgen auf die Passagen des Tenders gewaltige Höhepunkte wie neue Vulkanausbrüche. Am offensichtlichsten ist dies natürlich dort, wo die Vorahnung des Todes zum sicheren Wissen wird. Wo sich in tiefster und qualvollster Lebenslust der Tod mit größter Macht ankündigt. Dagegen gibt es keinen Widerstand mehr, und ich sehe das, was folgt, als eine Art Resignation.“ Obwohl eine solche Beschreibung implizieren könnte, dass die musikalische Sprache rein subjektiv ist.

Theo Adorno spüre ein Gefühl der Distanziertheit, sagt er, „nur als Erinnerung hat das Leben Süße, und genau das ist Schmerz“. Er weist auch auf ein Gefühl der Auflösung hin, das dem katastrophalen Höhepunkt der Entwicklung folgt, als ob das Leben durch den verheerenden Schlag seines Gegenspielers, des Todes, einfach auseinander gefallen wäre.

Philip Barford sieht diese Charakteristik der Desintegration bereits zu Beginn des Satzes sichtbar, „er sagt, dass es das Halten gebrochener Phrasen, fragmentierter Figuren und zögernder Rhythmen einführt“. Adorno deutet jedoch an, dass der zugrunde liegende Gegensatz von Desintegration und Integration auch ihre Identität umfasst, damit sich das durch den erschreckenden Höhepunkt am Ende der Durchführung zerrissene musikalische Material wieder zusammensetzen kann. Folglich kann der Dualismus der gegensätzlichen Kräfte, der im Satz sowohl als Kampf auf Leben und Tod dargestellt wird, als auch als harmonische Manifestation kontrastierender Dur- und Moll-Versionen von D am Ende aufgelöst werden, auch wenn diese Auflösung kein endgültiges und vollständiges darstellt Sieg des Lebens über den Tod.

Donald Mitchell findet signifikante Parallelen zwischen diesem Satz und dem ersten Lied der Kindertotenlieder, beide sind um das Nebeneinander von Tonarten aufgebaut, in dem Lied symbolisiert ein Wechsel zur Dur-Tonart eine Transformation von, wie Mitchell es ausdrückte, „rituelle Trauer und Trauer in die Verheißung von neuem Licht, der aufgehenden Sonne“.

Im ersten Satz der Neunten, dem lebensumfassenden D-Dur-Thema, wird das lebensvernichtende zweite Thema in d-Moll von Eruptionen überfallen. Sowohl Lied- als auch symphonische Elemente teilen auch die strophische Form, die durch die Verbindung mit strukturellen Prinzipien der Sonatenform im Satz neue Dimensionen annimmt. Mitchel meint, dass, obwohl das erste und das zweite Thema nicht in unterschiedlichen Tempi markiert sind, Mahler das Tempo des letzteren sehr wohl in ein Allegro geändert hätte, wenn er gelebt hätte. Unter Berücksichtigung dieser Möglichkeit findet Mitchel im Satz den Prozess von Andante, Allegro, crescendo climax, Zusammenbruch, Erholung, der in der Reprise wieder beginnt und damit das Prinzip der ewigen Wiederkehr impliziert, das den Satz mit Der Abschied von Das Lied von der Erde. Gurgelnde Klänge, mit denen der Satz beginnt, könnten den Urschlamm bedeuten, aus dem ein neuer Anfang erblühen wird, und so eine weitere Verbindung zu einer fügsamen Führung herstellen. Strukturell weicht der Satz von der regulären Sonatenform ab, wie Floros durch die Neufassung des ersten Themas betont, wenn auch mehrmals während der Durchführung variiert, zunächst im ursprünglichen D-Dur. Das Ritornell lässt ebenso wie das Wiedererscheinen des ersten Themas eine Rondo-Form nach Floros vermuten. Der Schwerpunkt liegt auf der Entwicklung, die den Konflikt der Kräfte darstellt, der das Hauptargument der Bewegung bildet.

Der allgegenwärtige Einsatz eines Abschiedsmotivs erweckt den Eindruck, dass dieser Konflikt aus der Distanz betrachtet wird, eher zeitlich und räumlich. Einen Schatten haben wir beim Golf die Eröffnungsmaße vermisst, das Tempo ist mäßig langsam und entspannt. Die Orchestrierung ist spärlich, und das musikalische Material fragmentarische Celli beginnen mit der ersten Hälfte des lebensverneinenden Schicksalsmotivs wird Motiv X nennen, mit seinem einleitenden punktierten Rhythmus sehr leise gespielt, wonach ein Horn das Motiv mit dem letzten seiner drei vervollständigt Anmerkungen. Das Motiv wird dann wiederholt, beachte, dass es und nicht sein konvergentes lebensbejahendes Schicksalsmotiv als erstes auftaucht. Sein unsteter Puls und das tiefe Register lassen es so klingen, als ob es aus den Urtiefen des Abgrunds entstiegen wäre. Sein synkopierter Rhythmus lässt ihn unbeholfen aus dem Gleichgewicht geraten. Unmittelbar folgt eine Harfe mit dem Kontrast im lebensbejahenden Schicksal, Motiv, wir nennen das Motiv Y, im Gegensatz zu Motiv X ist ihr Puls gleichmässig, und sogar marschierend, obwohl sie den dritten Schlag überspringt, die Intervallkonfiguration des Motivs Y erinnert an das Motto des Abschieds aufsteigende Terz, die nach einer Taktpause eine Stufe höher geht und dann auf die Terz zurückfällt, kraftvoll und entschlossen ausgesprochen, kontrastiert mit der selbstbewussteren, zögerlicheren Art der Gegenmotiv X. Ein einzelnes Horn erklingt eine melodischere Phrase, die wir als Motiv Z bezeichnen, die mit einer ansteigenden Quarte beginnt und endet und bestimmte Merkmale von sowohl Motiv X als auch Y enthält, die Synkope des ersteren und den Aufwärtsbogen von die Leiter. Motiv Z klingt wie ein Ruf aus der Ferne, als rufe ich aus einer Welt jenseits von Zeit und Raum, hier ist die Eröffnung des Satzes mit allen drei Modi, die in der Reihenfolge X, Y und Z erklingen.

Die Älteren treten mit einem wogenden Terzrhythmus ein, der an den Naturrhythmus aus den dritten Symphonien Vierter Satz erinnert, der auch in Der Abschied vorkommt. Während die Harfe immer wieder das Motiv Y erklingen lässt, versucht das Horn, das Motiv Z zu erweitern, mit einer Folge von ansteigenden Sekunden, die sich gegenseitig widerhallen. Während die zweiten Geigen leise mit fallender Sekunde eintreten, ist das Motiv des Abschieds auch im Abschied prominent. An dieser Stelle ist die Tonart D-Dur fest etabliert, Bratschen verwandeln das Motiv Y in ein Paar gurgelnder Tremeloes, die eine mysteriöse Unterströmung erzeugen. Das Abschiedsmotiv nimmt mit zunehmender Orchesterkraft melodische Gestalt an. Zweite Violinen erweitern den fallenden zweiten Abschied und erzeugen dadurch das erste Thema. Ein Hörnerpaar spielt ein Gegenthema, das auf dem Abschiedsmotiv im Dialog mit den zweiten Violinen während der Bildung des ersten Themas basiert. Es ist, als ob wir Zeuge einer musikalischen Darstellung der Schöpfung wären, embryonales Leben, das aus den Urkräften der Natur gurgelt, dargestellt durch die Tremolo-Version des Motivs Y, die ursprüngliche Form des Motivs Y wird als Marschschlag im Herzen verwendet, und dann in tiefen Streicher-Pizzicatos erweitert, die den ersten Taktschlag jedes Takts übersprungen, da sie noch nicht sicher sind, wie sie stehen. Gleichzeitig implizieren der prominente Abschied im ersten Thema und seine fragmentarische Begleitung durch Holzbläser eher ein Ende als einen Anfang. Eine stufenweise fallende Dreitonfigur, die in der deutschen romantischen Musik oft verwendet wird, um entweder bittersüße Nostalgie oder Melancholie zu erzeugen, wird vom Englischhorn gespielt, das vom Waldhorn wiederholt wird, um den ersten Teil des ersten Themas zu beenden. Hier ist der Anfang des ersten Themas.

Die ersten Violinen entwickeln dann das erste Thema gegen verschiedene Versionen des Hörner-Gegenthemas und Klarinetten, zweite Violinen, Celli und Bässe, einschließlich einer rückläufigen Version des Motivs X, das eher melodisch als auf sich wiederholenden Tönen in den Celli gespielt wird. Diese gegensätzlichen motivischen und melodischen Elemente verweben ein kontrapunktisches Netz, ihre individuelle Platzierung macht sie trotz der pianissimo-dynamischen Ebene deutlich geordnet, diesen gegensätzlichen Elementen liegt die ständige Wiederholung der gurgelnden Tremelos in den Bratschen zugrunde. Das milde, aber bejahende erste Thema schwankt sanft und sanft mit innerer Bewegung und schweißt gelegentlich an steigenden Zahlen zusammen, als ob es andeuten würde, dass es noch lange nicht abgeschlossen ist.
Meist aus kurzen, aneinandergereihten Fragmenten komponiert, scheint das Thema richtungslos zu sein, es endet mit der gleichen Abschiedsform, mit der zunächst, wie schon weltmüde, begonnen wurde. Plötzlich verdunkelt sich die Atmosphäre mit Nuancen einer Tonalitätsänderung, die das Temperament der Musik radikal verändert. Wenn die Tonalität in ein düsteres d-Moll wechselt, schreit ein Horn das Abschiedsmotiv, das eher traurig als beruhigend klingt. Zweite Violinen antworten mit einer fallenden Drei-Noten-Figur, die zu einer Abwärtsdrehung gemacht wird, wenn das Horn diese Phrase widerhallt, fügen Celli eine aufsteigende gebrochene Triole hinzu, die sich in verschiedenen rhythmischen Konfigurationen wiederholt, als ob die Sehnsucht nach etwas jenseits ihrer selbst dann falsch wäre. Der ominöse d-Moll-Akkord leitet das zweite Thema der ersten Violinen durch sein raues Temperament, seine Eckigkeit und seinen aggressiven Charakter ein. Das zweite Thema kontrastiert deutlich mit den milden beruhigenden Klängen des ersten Themas, es beginnt willentlich in einem schwachen Takt und drängt sich nach oben, düster und trotzig klingend, gegen fallende Fragmente des vorausgegangenen Gegenthemas des ersten Themas, die zweiten Themen gezackt melodische Kontur mit häufigen kleinen modalen Terzen, eine Art aufsteigende Linie und das Nebeneinander von Zweier- und Dreierrhythmen machen es zum perfekten Gegenstück zum Abschied, das eine fast hartnäckige Beharrlichkeit am Leben oder eine negative Reaktion auf das Notwendige hervorruft und während die Violinen das zweite Thema entwickeln, spielen sie eine unförmige Variante der Figuration, die vor so langer Zeit im ersten Lied der Kindertotenlieder gehört wurde, als das Orchester aufgeregter wurde, nachdem der Sänger sich in diesem Lied ein ewiges Licht vorstellte, das die Hoffnung auf Erlösung von der Trauer symbolisiert, dies Figur bezogen auf das Motiv Der Tag ist schön aus dem vierten Lied, aber seine Verwendung hier ist ausgesprochen negativ, nicht nur weil das zweite Thema in Moll gesetzt ist und unheilvoll klingt, sondern auch wegen seiner starken Akzente auf schwachen Beats und dissonanten Intervallen. Hören wir uns die Passage aus dem ersten Lied der Kindertotenlieder an.

Er war der Beginn des zweiten Themas, einschließlich des Verweises auf Kindertotenlieder.

Bei der Gegenüberstellung des ersten und zweiten Themas mit Das Lied kommen mir mehrere Dualitäten in den Sinn, insbesondere das von Tag und Nacht, Leben und Tod. Inmitten dieses harschen, verstockten zweiten Themas setzt sich das Abschiedsmotiv in der zweiten Violine durch, das von Fagotten und Kontrabass widergehallt wird. Eine absteigende Phrase aus dem ersten Thema erscheint gleichzeitig in Hörnern und Bratschen und später im Kontrafagott als Gegenelement, da die Musik auf einem Crescendo aufbaut und die Textur zunehmend komplexer wird, mit dem Auftreten von steigenden und fallenden Figuren und Holzbläsern und tiefen Streichern . Die Fragmente des ersten Themas verschwinden unter dem Ansturm des zweiten Themas, weite Sprünge, starke Offbeat-Akzente, gedehnte Intervalle und harte Dissonanzen verbinden sich zu einer Vision des krassen Terrors. Während in hohen Oktaven enden, versuchen sie verzweifelt, das erste Thema inmitten zunehmender Gewalt zurückzubringen, um der aufwallenden Eigenwilligkeit des zweiten Themas entgegenzuwirken. D-Dur und Moll scheinen miteinander zu kämpfen. Das zweite Thema bemüht sich nach Kräften, die Kontrolle zu behalten, doch man spürt in seiner melodischen Konfiguration das Gefühl von großem Schmerz dabei, Hörner behaupten gleichzeitig ein Paar motivischer Figuren, eine chromatische Figur bestehend aus einer fallenden Triole, gefolgt von einem abgeschnittenen punktierten Rhythmus , und zwei sich wiederholende absteigende chromatische Triolen. Die Leiter tauchte zu Beginn der Friedhofsszene in der ersten Bewegung von Staubblei auf. gleich danach. Trompeten spielen eine synkopierte Version der ersten dieser Figuren, die vom Motiv X abgeleitet ist, wir nennen es X prime. Es klingt wie ein Schrei völliger Verzweiflung, es hat sich wie eine Fanfare ausgesprochen, die uns auffordert, die sterbliche Hülle aufzugeben. Ironischerweise hat die harsche Negativität des zweiten Themas eine Eigenwilligkeit, die heroisch erscheint, aber unsicher, ob sie in ihrer Energie für oder gegen das Leben verwendet werden sollte, wie die scheinbare Mehrdeutigkeit des Bösen, manchmal als sein Gegenteil verkleidet, angeschnitten und Rhythmen beziehen sich hier sowohl auf Marsch- als auch auf Volkstanzmusik. Lange Stürze ziehen das Ende des zweiten Themas in die Höhe, das sich zu einer großen Höhe entwickelt, um dann wieder in das erste Thema zurückzufallen, das jetzt in D-Dur vom gesamten Orchester in einer komplexen polyphonen Art und Weise aus melodischen und multivacen Fragmenten gespielt wird. Mit dem nächsten Auszug greifen wir das zweite Thema dort auf, wo wir aufgehört haben.

Durchsetzungsfähiger als zuvor wirkt das erste Thema voller Leben. Es enthält die weiten Stürze, die es vor dem destruktiven zweiten Thema gerettet haben, sowie das heroische Hornrufmotiv Z. Aus der Einleitung staccato Hörner und Pizzicato. Tiefe Streicher betonen mit Nachdruck das lebensbejahende Motiv Y, gespielt in vier Achteln ohne Pause dazwischen. Diese Motivzelle bezieht sich auf und wird gleichzeitig mit den gurgelnden Tremeloes auf denselben Tönen gespielt wie die ungebrochene Achteltonversion von Motiv Y, Intensität und innere Stärke aufbauend, das erste Thema scheint sich in immer häufigeren weiten Sprüngen vorwärts zu stürzen und stürzt ein Zeichen seiner unerbittlichen Haltung gegenüber seinem Antagonisten. Wenn es nach einer Kadenz greift, fällt es auf das Abschiedsmotiv, es wird durch den kraftvollen Einsatz der Bläser erstickt, als die Tonalität nach B-Dur wechselt, die zweiten Violinen das erste Thema wieder aufnehmen, seine Durchsetzungsfähigkeit wird schwächer, während Celli und Hörner hinzufügen eine Variante der Kindertotenliederfigur, die Teil des ersten Themas ist. Wir beginnen den nächsten Auszug aus der Rückkehr des ersten Themas.

Mit seiner wiederhergestellten gewöhnlichen Sanftheit geht das erste Thema sanft in den zweiten Violinen zu einer deutlich reduzierten Orchesterbegleitung über. Als Folge der dünneren Textur hören wir deutlicher die gurgelnden Tremeloes und Bratschen unter der Erweiterung des ersten Themas und Flöten und zweiten Violinen. Mahler nimmt hier einen krassen Bezug auf den Scherzosatz der Vierten Symphonie, als eine von vielen nostalgischen Anspielungen auf seine früheren Werke, wenn die Musik sich wieder aufzubauen beginnt. Erste Violinen bringen das Abschiedsmotiv in synkopierten, ausgefallenen Einsätzen immer wieder mit herzerweichender Zärtlichkeit zum Ausdruck. Hörner fügen eine neue Version des Motivs Y hinzu, zwei Achtel gefolgt von zwei Vierteln. Im Verlauf der Violinen-Neufassung des ersten Themas quillt die Musik vor Emotionen auf, lässt aber schnell wieder nach, um dann in einem kontinuierlichen Auf und Ab wieder an Intensität zu gewinnen, als sehnte sie sich danach, sich selbst zu erfüllen, aber nicht ganz erfolgreich. Die Wiederholung der fragmentarischen Figuration in den Streichern erzeugt eine aufgewühlte Bewegung als Symbol der monotonen Regelmäßigkeit des Lebens und erinnert so an den rhythmischen Fluss des Scherzo-Satzes der zweiten Symphonie sowie zusätzliche Arbeit. Ein weiteres Crescendo des ersten Themas bringt das Abschiedsmotiv des ersten Horns gegen eine weitere Variante des Motivs Why in Posaunen und Fagotten zurück, die von der gurgelnden Unterströmung der Streicher gerührt werden. Plötzlich geht das Abschiedsmotiv schief und fällt im Solohorn um eine kleine statt um eine große Sekunde. Es hat aufgehört, den Ton aufzulösen, und hört sich an, als würde das Motiv erdrosselt. Der Abschied ist verbittert geworden und wird zu einem tragischen Whoa.

Mit dem Abschied, der auflösenden Ton erstickt, erscheint das ominöse zweite Thema wieder, aufgeregt durch ein zügigeres Tempo. Dur- und Moll-Moll kämpfen bei der Wiederkehr des zweiten Themas, das folgt, miteinander. Nachdem die Violinen begonnen haben, heulen die Hörner des zweiten Themas das Motiv der Verzweiflung aus, das zuerst auf den Trompeten zu hören war, bevor das erste Thema wiederkehrt, das auf dem Motiv X basiert. Die ersten Violinen spielen das Motiv Z, das gerade in das erste Thema eingearbeitet wurde , schon in diesem frühen Stadium treffen die Antagonisten in einem späteren Überlebenskampf auf Leben und Tod aufeinander. Nachdem sie sich berühren, beginnt das Tempo auf einer Kombination von getrillten rhythmischen Figuren gegen Harfen-Arpeggien nach vorne zu drängen. Sogar das trillernde daktylische Motiv des Teufelstanzes taucht zunächst in Klarinetten und ersten Geigen, dann in Flöten, Oboen und zweiten Geigen auf.

Auch hier baut das erste Thema auf einer umgekehrten Variante des Der Tag ist schön Motiv, das sowohl mit dem Motiv der Verzweiflung in den Hörnern kollidiert, als auch mit dem zweiten Thema, gespielt von Englischhorn, Fagotten und anderen Hörnern mit einem plötzlichen Aufwärtsschub und Geigen, die Schläfe erschlafft, während sich diese widrigen Elemente zu einem kraftvollen Höhepunkt entwickeln, der die Tempel zurück zu einem lebhafteren Tempo über eine Menge widersprüchlicher Triolen- und Sechzehntelfiguren. Erste Geigen schreien erbarmungslos zu einer musikalischen Phrase, die ein direktes Zitat von . ist Das Trinklied Bewegung von Das Lied von der Erde, die zu den Worten gesungen wird Du aber, Mensch. Die ganze Textzeile, die mit diesen Worten beginnt, spricht von der menschlichen Sterblichkeit: „alle außer mann wie lange lebst du dann?“ Das konfrontiert uns mit brutaler Offenheit. Es sollte nicht unbemerkt bleiben, dass der Satz „Tu andere Männer“ mit einer fallenden Sekunde endet, dem Motiv des Abschieds. Hier ist die do Oppermann-Phrase, wie sie im funkelnden Satz von Das Lied von der Erde gesungen wird.

Und so erscheint der Satz im Schlussteil der Exposition.

Während sich ein komplexes Geflecht aus gegensätzlichen musikalischen Elementen entwickelt, das den Kampf vorwegnimmt, der während des Entwicklungsabschnitts geführt werden muss. Das Tempo steigert sich zum Allegro, Hörner verwandeln das Verzweiflungsmotiv in einen Schlachtruf, Violinen behaupten standhaft das Motiv Z, wie es im ersten Thema erscheint, während Holzbläser und tiefe Streicher mit einer ansteigenden Sechzehntelfigur aus dem zweiten Thema dagegen ankämpfen. Die Spannung nimmt zu und wird heftig aggressiv mit einer wilden Wut der Drillingsfiguration in Winden, die das Chaos drohen. Ein Crescendo führt diese zusammenlaufenden Elemente schließlich zu einem klimatischen B-Dur-Akkord mit hinzugefügter Sexte zusammen, über den ein Paukenwirbel kurz anschwillt und nach dem Ende des Akkords zu einem Flüstern verstummt. So lösen sich die Exposition selbst und ihre Schlussakkorde nicht auf, sondern werden abgebrochen, bevor ein Ziel erreicht ist. In der Exposition haben wir also die Antagonisten von Leben und Tod getroffen, die bald in einen tödlichen Kampf eingesperrt werden. Der nächste Auszug beginnt mit der Reprise des zweiten Themas und endet am Ende der Exposition.

Während das Paukenwirbel, das die Exposition beendete, abnimmt, denn Hörner ertönen feierlich das lebensnegierende Schicksalsmotiv, Motiv X, das Haupttempo des Satzes wird wiederhergestellt, versetzte Einsätze rhythmischer und melodischer Motive dringen in die düstere Atmosphäre ein, mit einem beunruhigenden Gefühl von ahnungsvoll schlagen Pauken leise das lebensbejahende Schicksalsmotiv Motiv Y aus, das sofort von zwei Hörnern widergehallt wird, auf deren letztem Ton plötzlich ein drittes Horn die in das Motiv des Whoa umgewandelte kleine zweite Version des Abschieds brüllt. Nachdem die Hörner diese Kombination von Motiven wiederholen, behaupten sie ein Fragment des Motivs der Verzweiflung, gedämpft, um so zu klingen, als ob es aus großer Entfernung käme. Holzbläser und Celli fügen die gerade Achteltonversion von Motiv Y hinzu, gespielt gegen Motiv X und Trompeten, die Atmosphäre ist kühl und feucht geworden, gefüllt mit einem Gefühl von Geheimnis und Schrecken. Es ist, als würden wir plötzlich auf einen fernen Berggipfel befördert, von dem aus wir in einen Abgrund blicken, aus dem furchterregende und beängstigende Geräusche hervortreten. Wenn die Hörner wieder mit den Tönen des Motivs X beginnen, ein deutlicherer Klang, der noch relativ unterspielt ist, ebenso wie die Paukenschläge auf Motiv Y, herrscht eine Zeitlang Unsicherheit in der Tonalität, die g-Moll und B-Dur mischt, spärlich Orchestrierung betont Bassinstrumente, die eine dunkle Vorahnung auf das Jenseits schaffen. Eine Bassklarinette spielt eine Reihe von aufsteigenden Fragmenten, die während der Exposition zu hören sind. In Anlehnung an eine ähnliche Figur aus dem Finale der Sechsten Symphonie wiederholen gedämpfte Violinen die Achteltonversion des Motivs Y, versuchen es aber nicht, es in das erste Thema auszudehnen und bilden musikalische Figuren, die den Beginn des dritten Satzes vorwegnehmen. Aber gedämpfte Hörner unterbrechen mit einer eindringlichen Aussprache des Motivs der Verzweiflung, die eher instinktiv als traurig klingen, als die Geigen sich bemühen, sich neu zu konfigurieren, das erste Thema bricht zusammen, gedämpfte Posaunen schreien das Motiv des Abschieds mehr als vollständig aus, als sie in die Hörner eindringen . Bevor das Schreckliche der Bläsermusik den vergeblichen Versuch der Violine, das erste Thema wieder zu bekräftigen, völlig überschattet, treten leise gedämpfte Celli mit einer warmen und zarten Variante dieses Themas ein. In Leichtigkeit die Spannung, die von den Bläsern erzeugt wird, ist die Verkündigung von Doom, Harfe und Bass-String-Pizzicato eine Gesellschaft, die Celli mit dem Motiv Y, während eine Flöte B das unvermeidliche Ende mit dem Motiv von Whoa ist, viel weniger verstörend als üblich klingt. Das Tempo lässt nach, während die Celli das erste Thema entwickeln und den Bezug zum Motiv erweitern Der Tag ist schön während gedämpfte Hörner mit wiederholten Abschiedsrufen unterbrochen wurden. Hören wir uns den Beginn der Entwicklung bis hierhin an.

Diese beginnen einen faszinierenden Übergang, der ein neues Thema einführt, das auf dem ersten Thema basiert. Die gurgelnde Unterströmung vom Anfang des Satzes kehrt nun zurück, eine sich wiederholende Folge von vier aufsteigenden Viertelnoten im Herzen, bestimmt das Tempo eines Trauermarsches. Zweite Geigen treten mit ausgehaltenen Tönen ein, die sich zögernd um einen halben Schritt anheben, scheinbar unsicher über ihr Ziel. Erste Geigen unterstützen sie, und beide kriechen weiter nach oben, wenn auch nicht synchron, in stolpernden Einsätzen, die auf und neben dem Takt gespielt werden. Über diese ausgedehnte Brückenpassage bewegt sich die Tonalität allmählich von d-Moll zur Grundtonart D-Dur und wechselt dabei zwischen Dur und Moll hin und her. Wenn D-Dur endgültig etabliert ist, erarbeiten die erste und die zweite Violine im Dialog mit dem Original eine neue Version des ersten Themas, wobei jede ein anderes thematisches Element enthält. Die Melodie, die sie auf diese ungewöhnliche Weise kreieren, wird mit einer der Melodien aus Johann Strauss' war . verglichen freúen die leben, genieße das Leben. Wenn das wirklich die Quelle dieser Melodie wäre, Mahler gibt ihr ein entspannteres Tempo und weniger den booleschen Charakter, so dass sie klingt, als ob sie durch die Jahre eines Menschen in den letzten Jahren gefiltert worden wäre, hier ist die Melodie aus dem Strauss Walzer.

Nun die Übergangspassage zu und einschließlich des neuen Themas in Violinen.

Gurgelnde Streichertremelos und eine gebrochene Version von Motiv Why und Pizzicato begleiten diese sanfte und anmutige Melodie, ein Horn setzt zum Abschied ein und erweitert es um Elemente aus dem zweiten Teil des ersten Themas. Auf die Sinne in einem statischen Gefühl hier, eine liebevolle Erinnerung an glücklichere Zeiten, aus großer Entfernung betrachtet von alternden Augen, die nicht mehr scharf fokussiert sind, ein sinkender Geist, der nicht mehr energisch genug ist, um auf solch unbeschwerte Belustigung mit Begeisterung zu reagieren. Wenn die Tonalität nach B-Dur wechselt, erscheinen nach und nach andere Elemente des ersten Themas in Streichern und Bläsern, darunter eine Variante des Dare-Tog-Motivs, die von den Geigen in Kanonenimitation gespielt wird. Immer wenn ein Horn dieses Motiv zweimal erklingt, wird das Tempo schneller, und die neue Version des ersten Themas kehrt leise und ausdrucksstark in einem Tiffin aller ersten und zweiten Geigen zurück. Orchesterkräfte nehmen zu, und damit wird die Musik stärker. gedämpfte Trompeten spielen leise ein Triolen-Tattoo, symbolisieren den Helden, der fest gegen seinen Antagonisten steht, Trompeten, wiederholen ihre Tätowierungen und geben sie dann an die Pauken weiter. Während das Orchester zu voller Stärke anwächst und auf einem riesigen Crescendo aufbaut, das durch eine Folge von Trillern, ansteigenden Tönen und Geigen widerstandsfähiger wird. Der Kampf, der während des ersten Teils der Entwicklung verschoben wurde, steht nun kurz vor dem Beginn. Auf dem Höhepunkt eines gewaltigen Crescendo ertönen Holzbläser und verstummte Hörner, gefolgt von Trompeten, den heroischen Ruf zum Kampf. Tiefe Holzbläser und Streicher treten eine Perle später ein, mit einem Motiv der Verzweiflung, jetzt durch scharf artikulierte, absteigende Chromatik aggressiver und furchterregender klingen, schneller und entschlossener gesetzt, die erste Welle des Konflikts beginnt ernsthaft, als die volles Orchester geht mutig in die Schlacht.

Der Held und sein Antagonist geraten in einen heftigen Kampf der Motive Fragmente des zweiten Themas, sowohl thematisch als auch figurativ, treten in den Streifzug ein, Folter war Dissonanzen, die rhythmische Kontrapunkte verdrehen, zappelnde Holzbläser-Triller und kontrastierende Triolen und 16. Wirbel um die Gegner in eine chaotische Welt, in der kreischende Dissonanzen fast unerträglich werden, Violinen und Bratschen das zweite Thema bis zum Zerreißen ausdehnen und es noch wilder erscheinen lassen. In Bläsern und Celli erklingen leise gurgelnde Klänge aus der Einleitung. Aber hier erheben sie sich wie von der umgebenden Konfiguration dazu gedrängt. Für einen Moment schien die Kompetenz stillzustehen, plötzlich erstarrt inmitten ihrer wilden Wut auf einem anhaltenden Triller in Holzbläsern und Triangel, Hörner setzen mit enormer Kraft auf eine Variante des Eröffnungshornrufs des Motivs Z ein, und Bratschen und Celli antworten mit einem Fragment des zweiten Themas, dem eine erweiterte Version des Motivs der Verzweiflung gegenübergestellt wird, das nun auf den Posaunen heftig umschlägt.

Dieser Dialog von Aussage und Antwort setzt sich als hohe Holzbläser und erste Geigen fort, eine gewisse erhebende Aussage des Motivs Z, unter dem Hörner und zweite Geigen mit einem zweiten Thema bedroht sind. An dieser Stelle hämmern Pauken das lebensbejahende Schicksalsmotiv Y, unterstützt von Tuba- und Basssaiten. Gleichzeitig spielen Holzbläser und Hörner die gerade Achteltonversion dieses Motors, Posaunen setzen ihre Aggression mit Fetzen des zweiten Themas fort, während Trompeten und zweite Violinen das Motiv Z wiederholen, Kombinationen von Trillern und Triolen mit schnellen Harfenarpeggien die Wirbelwindreprise zurückbringen des zweiten Themas aus der Exposition. In verschiedenen Gestalten in unmittelbarer Nähe gespielt, setzt sich das Motiv der Verzweiflung in den Bassinstrumenten wieder durch und weist auf die Gefahr im Aufstieg hin.
Eine abwärts gerichtete Salve von punktierten Rhythmen, die sich in Triolen in Blechbläsern verwandeln, drohte den Konflikt in eine Krise zu bringen, nach zwei Takten des Verzweiflungsmotivs spielen die Hörner eine absteigende Variante davon gegen einen anhaltenden Holzbläsertriller, aufsteigende Figuration aus den inneren Streichern, und glissandi harfe. Ihre Agglomeration erzeugt einen Höhepunkt, der von einem hallenden Beckenschlag und einem Aufschrei von . eingeleitet wird Du aber, Mensch vom Orchester ist wie ein verzweifeltes Plädoyer für die Vernunft und ein Ende des Konflikts, es ist einer der wenigen Momente in der Entwicklung, in denen das Orchester fast vollständig auf ein einziges Thema einig ist. Hier moduliert die Tonalität nach Es-Dur, einen Halbton über der Tonika, aber die Musik macht einen Sturzflug und fällt in einen totalen Kollaps, und ein enormer Super-Oktavensprung auf einem punktierten Rhythmus-Auftakt droht das zweite Thema zurückzubringen, aber stattdessen ist es mündet in eine wild rasante Salve aus absteigenden chromatischen Sechzehnteln und Triolen, die unter einem enormen Sturz und Wind bis in die tiefsten Tiefen der Saiten reicht, t ist wie eine Verkündigung des Untergangs. Wir beginnen den nächsten Auszug als freúen die leben Das Thema endet, als die heroischen Trompeten-Tattoos auftauchen, bevor der Konflikt beginnt.

Als sich die Basssaiten energisch in den Abgrund erheben, verstummt die Musik zum ersten Mal seit Beginn der Schlacht. Paukenklangmotiv Y, eher dezent, seine Belastbarkeit durch die Kampfermüdung deutlich entleert. Die aufsteigenden Sechzehntel-Fragmente aus dem zweiten Thema fügen sich allmählich in tiefen Holzbläsern und Streichern wieder zusammen, während das Motiv Y langsam verklingt, scheinbar sicherer Sieg, das zweite Thema tritt kraftvoll und leidenschaftlich in Streicher ein, drängt zu Gewalt und Zerstörung. Viele Segmente des zweiten Themas enden mit der fallenden kleinen Sekunde whoa, einem Vorzeichen einer ultimativen Tragödie. Erneut verdichtet sich die polyphone Textur mit gegensätzlichen rhythmischen Elementen, die in diesem komplizierten rhythmischen Kontrapunkt verborgen sind und sowohl Varianten des Motivs der Verzweiflung als auch des zweiten Themas sind und rhythmische Windungen. Wenn die Tonalität abrupt nach D-Dur wechselt, lässt das Tempo plötzlich nach Musik nach unten gegen aufsteigende Violinen in einem verzweifelten Bemühen, das Leben durch die Wiederholung des ersten Themas zu bestätigen, aber nur das zweite Thema wird hier bestätigt, ebenso wie seine Moll-Tonalität, die mit dem Motiv der Verzweiflung und Posaunen und tiefen Streichern überdeckt ist. Das Thema klingt so, wie es zunächst klang, er hatte seltsamerweise an Energie und Kraft verloren und suchte nur ein Ende des Konflikts. Hörner rufen den Abschiedsmodus, ihn dreimal zu wiederholen, als ob er sich völlig ergeben würde. Sogar das Tempo leidet an Erschöpfung und verlangsamt sich auf geschwächten Fragmenten der ansteigenden Sechzehntelfigur, unterbrochen von dissonanten Akkorden, die von gestoppten Hörnern herausplatzen. Die Musik fällt in absteigenden chromatischen Fragmenten spärlich ab, bis sie einfach aufhört und nur das Abschiedsmotiv von einem Horn umgeben bleibt, gefolgt von einer trotzigen Verzweiflungserklärung in Posaunen und Tuba. Es scheint, dass die lebensverneinenden Kräfte den Tag gewonnen oder zumindest ihre lebensbejahenden Gegner so geschwächt haben, dass sie eine Atempause brauchen, um sich zu erholen, bevor die Schlacht wieder aufgenommen wird. Hören wir uns die Rückkehr des zweiten Themas an.

Zu den wiederholten Klängen des Abschieds und verstummten Hörnern kehren die urtümlichen gurgelnden Tremeloes des Motivs Y in den Celli zurück, Violinen ringen mit den Anfangstönen des zweiten Themas, die sich auflösen und in wenigen Takten verschwinden, es ist, als sei ihre Äußerung zu schmerzhaft zum ertragen setzen die Hörner in einem schwachen Takt mit einer fallenden chromatischen Triolenversion des Verzweiflungsmotivs ein, während das Gurgeln allmählich verklingt. Für einen kurzen Moment herrscht völlige Stille, obwohl sie kein Ende des Konflikts signalisiert, kaum hörbar in tiefen Streichern, setzt das Gurgeln in einer schattenhaften Atmosphäre wieder ein. Zuerst fügen die Geigen allmählich Ton für Ton hinzu, steigen um halbe Schritte, während sie sich der lang erwarteten Rückkehr des ersten Themas nähern, während die Geigen zögernd, ihres Ziels unsicher aufsteigen, die Hörner immer wieder die Moll-Version des Abschieds wiederholen, das Motiv von whoa, Damit wird anerkannt, dass eine Tragödie der unvermeidliche Abschluss eines Konflikts ist. Zweite Geigen scheinen mit dem gestreckten chromatischen Aufstieg, der bereits in den ersten Geigen im Gange ist, wieder von vorne zu beginnen, was der aufsteigenden Phrase eine unheimliche Qualität verleiht. Endlich ist Erleichterung mit der Wiederherstellung der Dur-Tonika D und der Rückkehr des ersten Themas in seinem ursprünglichen Andante-Tempo vorhanden, glücklicherweise stellt es Ruhe und Ordnung wieder her lebensbejahendes Motiv Y auf dem Herzen, aber das erste Thema ist noch lange nicht vollständig, da es in überlappende Holzbläser und Geigen gegen schwache gurgelnde Klänge und Bratschen zersplittert ist. Bald flüchtige Cello-Triolen Beyster die Atmosphäre, als das Orchester wieder ausdünnt. Flitzende Schnurfiguren kombinierten das Motiv Y und die Der Tag Figur, deren scheinbare Leichtfertigkeit hier fehl am Platz wirkt, erheben sich Hörner auf einer anapestischen Figur, die dreimal wiederholt wird, jeweils eine Stufe höher und eine Stufe stärker. Das volle Orchester tritt mit einer starken Aussage einer fallenden Version von ein Du aber, Mensch das nun mit der fallenden kleinen Sekunde von whoa endet, wird das Tempo nun immer drängender, getrieben von rasanter Federfiguration. Hier blättert Mahler über den Partiturentwurf, die bitteren Worte, die alten Tage der Jugend sind verschwunden, die alte Liebe zerstreut, ein Crescendo baut sich auf, als Geigen und Holzbläser versuchen, die Linie aus fortzusetzen Der Abschied indem sie trotz ihrer Bemühungen immer wieder einen punktierten rhythmischen Auftakt behaupten, scheitern sie. Stattdessen können sie nur zu dem gefürchteten zweiten Thema in B-Dur zurückkehren, das jetzt wiederbelebt und wieder kampfbereit ist.

Noch einmal wird die Musik intensiver, wobei die negative Kraft des zweiten Themas versucht, den Konflikt zu erneuern. Messing macht das Motiv der Verzweiflung kraftvoll geltend. Da das zweite Thema von den Violinen energisch vorgetragen wird, wird die kontrapunktische Textur dichter und erinnert an die erste Schlacht, deren Ausgang den Antagonisten begünstigte. Stark akzentuiert, wenn Akkorde den Eindruck von Schwertstößen erwecken, Trompeten und Klarinetten traurig im Ton, die Du aber, Mensch-Phrase, Hörner attackieren mit der Violinversion des Verzweiflungsmotivs und Holzbläser und Streicher entwickeln verschiedene Elemente des zweiten Themas, der Die immer komplexer werdende Polyphonie spiegelt den Verlauf dieses zweiten kämpferischen Engagements wider, das vorübergehend von seiner eigenen Kraft des heftigen Angriffs belastet wird, beginnt mit stark akzentuierten absteigenden Triolen, die eine Wendungsfigur bilden, die die Bedeutung der Wendung sowohl im dritten als auch im vierten Satz ahnen lässt. Hier fungiert es lediglich als Waffe im Arsenal der lebensverneinenden Kräfte. Auf einer fünfknotenigen Windung steht eine Figur gegen eine chromatisch absteigende Triole in den Hörnern. Auf Du aber, Mensch erreicht das Orchester seinen Höhepunkt. Das gesamte Orchester stürzt sich in einer wilden Manie gegenläufiger rhythmischer Figuren rasant nach unten, als wäre es in den Abgrund gezwungen. Inmitten dieses Pandämoniums agiert die tiefe Blechbläserexplosion mit höchster Kraft in einer langgezogenen Version eines lebensverneinenden Schicksalsmotivs. Es ist ein schrecklicher Moment, ein verheerender Schlag, der die lebensbejahenden Kräfte getroffen hat. Mit dieser plötzlichen und überwältigenden Explosion von Motiv X. Das Motiv, das die Symphonie eröffnet, treten wir in die Reprise ein, die wilde Figuration verblasst schnell, während die Pauken schwere Schläge von Motiv Y ausstoßen, Posaunen und Tuba antworten mit einer kraftvollen Aussage von Motiv X in seinen ursprünglichen Rhythmus, sofort gefolgt von einem abgeschwächten Motiv Y, das nur feste Pizzicatos in tiefen Streichern schafft, Hörner und Fagotte rufen das Abschiedsmotiv, worauf gedämpfte Geigen ein Stück Figuration aus dem ersten Thema spielen, wie betäubt von dem, was passiert. Selbst das von Hörnern gespielte Heldenmotiv klingt jetzt geschwächt von Sachen Staccatissimo in Posaune und Tuba auf Motiv Y ins Herz stoßen wie Geier, die das Aas des Lebens aufheben, Holzbläser rufen das Motiv des Abschieds, als wollten sie einen Trauermarsch beginnen. Mit Trompeten, die das Heldenmotiv bekräftigen, das für alles Starke und Mutige im menschlichen Geist steht, wiederholen Pauken leise das Motiv Y. Wie hoffnungslos und niedergeschlagen die Geige in einer absteigenden Kadenz klingt, während der Marsch in die Rückkehr des ersten Themas, ein letztes, fortschreitet gedämpfter Trompetenruf erklingt damit das Abschiedsmotiv, und die Musik kadenzt in die Grundtonart D-Dur.

Wir beginnen den nächsten Auszug aus der starken Aussage von Du aber, Mensch bis zum Ende der Entwicklung fortsetzen.

Die Wiedereinsetzung des Tonikums scheint den Schmerz des Todesstoßes am Ende der Durchführung zu lindern. Sofort erklingt hier in Harfe und tiefen Pizzicato-Streichern das getreue Motiv Y, das Hoffnung macht, dass die lebensbejahenden Kräfte vielleicht noch nicht ganz besiegt sind, Hörner setzen mit der Fortsetzung des ersten Themas ein, Klarinetten fügen gurgelnde Tremeloes zu schimmernden Geigen hinzu und gedämpfte Trompeten und Posaunen beleben den edlen Ruf des Motivs Z. Das erste Thema selbst ist sogleich erreicht, eingebettet in ein kompliziertes Netz verwobener motivischer Elemente. Nach wenigen Maßnahmen ist die Tochtergesellschaft freúen die leben das Thema kehrt zurück, wenn die Orchesterkräfte zu voller Stärke gewachsen sind. Dieses warme, charmante Thema wird mit großer Sehnsucht ausgedrückt, verschönert mit Swells in Blechbläsern und Streichern, es wirkt leicht melancholisch, beschwert durch eine Folge von Bläserakkorden, die im zweiten Takt eintreten.

In einem bewegenden Plädoyer für die Wiederbelebung des Lebens zum Lehman-Thema schüttet der menschliche Geist mit großer Inbrunst sein Herz aus, häufige Wiederholungen von motivischen und melodischen Phrasen gegeneinander, betonen immer wieder die Tiefe der Emotionen, bewegt von a Bitte um Erlösung. Beim Aufbau des Orchesters spielt das Motiv Der Tag eine bedeutende Rolle bei der Entwicklung des Themas. Starke Posaunenakkorde dringen immer wieder auf den zweiten Schlag jedes Taktes ein, mit einem Frontalangriff, der die Wiederbelebung der Hoffnung im durch die Themen geschlechtlichen Fortschritt dämpft, eine unerwartete Kadenz wird nur durch das Eingreifen des zweiten Themas in seiner Grundtonart erreicht. Es wird so gespielt, als ob alle seine Elemente in zwei Takte verdichtet wären. Das Motiv der Verzweiflung klingt prominent, fast stolz in Posaunen. Auf diesen lebensverneinenden Elementen erhebt sich die Musik zu einem mitleiderregenden Höhepunkt auf einer ansteigenden Appoggiatura, die auf dem zweiten Schlag mit einem kraftvollen D-Dur-Akkord in tiefen Blechbläsern endet. Die Wirkung ist verheerend, schnell löst sich die Windung der musikalischen Figuren auf und das Orchester erscheint zu einer Kammergruppe, während der Tempel erschlafft. Was folgt, ist nur ein Schatten der vorherigen kontrapunktischen Mischung des Matic-Materials, das sich neu zusammengesetzt hatte, um dem ersten Thema neues Leben einzuhauchen. In einem der faszinierendsten Kammersegmente in allen Flötensinfonien Mahlers, mit Piccolo für einen einzelnen Takt und Horn, kombiniert mit Celli und Kontrabässen in einer Brückenpassage, die nur auf einer Triolen-Saite und einer 16tel-Figuration aus das erste Thema. Zusammen mäandern diese ineinander verflochtenen rhythmischen Elemente ruhig, aber ziellos umher, wie betäubt von dem verheerenden Höhepunkt, den sie gerade erlebt haben und die verbleibenden Energien nicht in eine positive Richtung lenken können. Diese gegensätzlichen figurativen Linien haben Bewegung und scheinen doch die Musik in einem Zustand schwebender Animation zu halten, schwebend zwischen Leben und Tod in einem Fegefeuer, wo Emotionen richtungslos und das Dasein schwach ist. Bald wird dieser seltsame Kammermusikabschnitt von einer wütenden Neuformulierung des zweiten Themas und der Streicher unterbrochen. Die Oberstimmen spielen ihren zweiten Teil gegen eine rhythmische Variante des ersten Teils in den Unterstimmen. Während das zweite Thema voranschreitet, enthält es die Passagen des Kammersegments, bis es zuletzt D-Dur wiederkehrt. Hörner laufen durch die Luft mit der heftigen Version des Verzweiflungsmotivs, beantwortet durch die 16tel-Figuration aus dem ersten Thema basierend auf dem Der Tag Motiv, das Tempo wird lebhafter, scheint das lebensnegierende zweite Thema einen Versuch des lebensbejahenden ersten Themas, sich selbst wiederzubeleben, abgewehrt zu haben. Hören wir vom Kammermusikteil bis zum Ende der Reprise.

Fragmente der steigenden Sechzehntel, die zuvor das zweite Thema einleitete, verklingen allmählich, während sich die Tonalität nach Moll verschiebt. Aber nachdem diese nach oben drängenden Fragmente allmählich verschwinden, hebt ein Horn die Moll-Medium um einen halben Schritt an, um die Tonika Dur zurückzubringen, und damit ein Gefühl der Erleichterung, das die Coda hervorruft. Steigende Harfenarpeggien, unterstützt von einem ausgehaltenen Bläserakkord, machen den Weg frei für die Hörner letzte Aussage des Du aber, Mensch Phrase. Klingt jetzt ruhig, aber resigniert mit den rockigen Triolen des Naturrhythmus und der Celli. Diesmal kann das Horn das Zitat von Der Abschied fortsetzen, nur indem es die Phrase Lied zu den Worten umkehrt sei lang am liebsten damit die Frage implizit negativ beantwortet, folgt sofort das Motiv der Verzweiflung, das inzwischen völlig verflogen ist, es bleibt keine Siegeshoffnung übrig, nur die leisen Klänge der Auflösung erfüllen die Schlussmomente. Eine einsame Es-Klarinettenhütte ist eine Variante des prägenden Motivs Z, wie es sowohl im ersten als auch im zweiten Thema vorkommt, auf das Flöten und Oboen mit dem Motiv des Abschieds antworten.
Das Leben scheint allem, was im menschlichen Geiste positiv ist, seine letzte Ehre zu erweisen. Das Orchester verdünnt sich, bis nur noch Holzbläser übrig bleiben, zu feierlichen Bläserakkorden beginnt die erste Flöte mit dem Oktavaufwärtsschub des zweiten Themas, und dann ein entschlossener, weicher, sanfter Ton in östlicher Modalität, und ein rhythmischer, gehaltener Ton scheint daraus zu erklingen fernab von einem Reich jenseits von Zeit und Raum.

Diese heiteren Töne sinken unter die Ebene des irdischen Lebens, bis sie sich in das, was von der Welt übrig ist, hineinziehen freúen die leben Thema, gespielt von Solovioline, ist alles ruhig auf dieser materiellen Ebene jenseits des konfliktbeladenen, irdischen Reiches. Während der Schlusstakte bleiben nur wenige Siege, Harfe und Streicher übrig. Zu wiederholten Abschieden, gespielt zuerst von zwei Klarinetten, dann von zwei Hörnern in schmelzenden Terzen, freúen die leben Das Thema löst sich allmählich auf, indem es gebrochene Akkorde in der Harfe mit offenem Quintakkord sendet, und Celli spielen wieder D-Dur auf festem Fuß, nachdem das Freud-Thema vollständig verschwindet und die Oboe den letzten Abschied erklingt und ihre Auflösung eine Stufe über der Tonika aussetzt, als die Harfe arbeitet sich langsam auf den Noten eines D-Dur-Akkords nach oben. Wenn die Tonika erreicht ist, wird sie von einer einzelnen Pizzicato-Note unterbrochen, deren Klang durch ein gehaltenes D und Piccolo und Cello im oberen Register verlängert wird.
Diese Kombination von Klängen erzeugt einen resonanten Ping, der in Vergessenheit gerät.

Man hinterlässt ein starkes Gefühl von Verlust und Niederlage, aber der Abschied vom Leben scheint weniger von Angst als von Akzeptanz geprägt zu sein. Die lebensverneinenden Kräfte scheinen triumphierend, er hatte keine Bitterkeit aus diesem vermeintlichen Sieg. Das eigentliche Problem ist hier nicht die Tatsache der Sterblichkeit, die nie in Frage gestellt wird, sondern ihre Akzeptanz. Insofern ist die Neunte Symphonie eine philosophische Cousine des Liedes von der Erde, beide versuchen das Leben im Angesicht des Todes zu bejahen und beide finden eine Antwort im Konzept der ewigen Wiederkehr.
In den letzten Takten dieses ersten Satzes werden wir Zeugen einer Probe der abschließenden Momente der Symphonie und des Versuchs, die menschliche Sterblichkeit als Teil des Lebens zu akzeptieren, wie auch immer das absurde menschliche Streben erscheinen mag.

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Von Lew Smoley