Höranleitung - Satz 4: Adagietto. Sehr langsam

Abschrift

Das Adagietto ist zweifellos das bekannteste Musikstück Mahlers. Seine Popularität stieg vor allem aufgrund seiner Verwendung als Hintergrundmusik für Viscontis Film sprunghaft an Tod in Venedig. Es gab jedoch einige Kontroversen darüber, was Mahler mit dem Adagietto kommunizieren wollte. Villa Mengelberg, eine intime Freundin und Kollegin von Mahler und eine frühe Verfechterin seiner Musik, behauptete, Alma Mahler habe ihm anvertraut, dass Gustav ihr ein Manuskript des fertigen Werkes als Liebesbrief geschickt habe, als sie umwarben. Sicherlich kann die romantische Natur der Musik diese Behauptung unterstützen. Rein musikalisch war das Adagietto jedoch eindeutig mit dem aufgenommenen Lied verbunden Ich bin der Welt abhanden gekommen, dessen poetischer Text und emotionaler Charakter eine ganz andere Stimmung vermitteln, die von Einsamkeit, Rückzug und Entfremdung geprägt ist. Ich stimme Henry-Louis de La Grange zu, wenn er vorschlägt, dass es mir unwahrscheinlich erscheint, dass Mahler zwei Stücke geschrieben haben könnte, die in jeder Hinsicht so verwandt sind und so unterschiedliche Bedeutungen haben. Wenn die Mengelberg-Geschichte wahr ist, fragt sich La Grange, warum hat Alma sie in keinem ihrer Schriften über Mahler erwähnt, könnte man auch annehmen, dass Mahlers eigener Ausdruck persönlicher Liebe höchstwahrscheinlich aus zwei Hauptelementen bestehen würde, der Sehnsucht, dem Motiv, das dies trägt Das Kognom, das in dieser Bewegung von großer Bedeutung ist, und die Angst, die durchaus als charakteristisch für Mahlers eigene romantische Natur angesehen werden kann, dass Gustav in einem frühen Stadium einer Beziehung alle seine Gefühle testen wollte, könnten der Grund gewesen sein, sie zu senden Das Manuskript könnte in der Hoffnung, dass sie die Botschaft verstehen würde, die in der Musik enthalten ist, die sie anscheinend gemacht hat, dazu dienen, Mengelbergs Vorschlag zu unterstützen. Was auch immer Mahlers Absichten sein mögen, Donald Mitchell betrachtet das Adagietto als ein Orchesterlied ohne Worte.
Im Rahmen einer Symphonie dient der Satz als Auftakt zum Finale, insbesondere aufgrund seiner Kürze und der thematischen Beziehung zwischen den beiden Sätzen. Es ist jedoch der einzige langsame Satz in der Symphonie, der eine anhaltende Ausdruck romantischer Liebe und das gesamte Werk, der den Schlüssel zur Lösung der Spannungen im ersten Teil und zur Überwindung der chaotischen Welt im zweiten Teil liefert. Bezeichnenderweise verschiebt die Einführung der romantischen Liebe die Richtung des Einfachen weg von Leiden und sinnloser Verlassenheit hin zum erlösenden Wert der Liebe. Die Verbindung der letzten beiden Sätze, die den dritten Teil umfassen, durch ihre gemeinsame Verwendung des Adagietto-Themas entspricht dem Auftreten des Trauermarsch-Themas in beiden Sätzen des ersten Teils. Das gemeinsame Thema, das in jedem der ersten Sätze von Teil eins und Teil drei erscheint, wird in den nachfolgenden Satz umgewandelt, wo es eine andere Funktion erfüllt oder eine andere emotionale Reaktion hervorruft. Diese dramatische Parallelität und Transformation verbindet nicht nur die äußeren Teile der Symphonie, sondern prägt auch den Inhalt und den Fokus des gesamten Werks. Mahlers Werkorchestrierung ist sparsam und verwendet nur Streicher und Harfe, um die Lyrik der Musik zu verbessern und ihr eine serenadenartige Qualität zu verleihen. Die Verwendung der ternären Form ABA ist selbst einfach. Innere Harmonien sind subtil und harmonische Progressionen sind für einen so kurzen Satz häufig, was den impulsiven Charakter der Musik verstärkt. Impressionistische Harmonien wie die neapolitanische sechste Funktion dienen als Mittel, um zu einer entfernten Tonart zu wechseln.
Mahler verwendet überlappende anhaltende Töne in Übergangspassagen, die ihre Verwendung in ihrem Operationsblatt ab vorwegnehmen Das Lied von der Erde. Die stromähnliche Adagietto-Atmosphäre beginnt mit vagen Harmonien, die ein Gefühl von Schwerelosigkeit vermitteln, und endet mit einer langen Aussetzung anhaltender Akkorde, die sehr langsam zum Abschluss übergehen und ein Gefühl endloser Zeit erzeugen. Könnten die momentanen nostalgischen Träumereien des Scherzo-Satzes diese zärtlichen Gefühle hervorrufen? Obwohl sie kein gemeinsames musikalisches Material haben, haben das Scherzo und das Adagietto eine konzeptionelle Beziehung, da sie sowohl in der Stimmung als auch im musikalischen Inhalt praktisch das Gegenteil voneinander sind. Diese Beziehung entspricht der fortschreitenden Entwicklung der Symphonie, von tiefer Trauer und Wut über die Abneigung gegen eine sinnlose Alltagswelt bis hin zur Entstehung menschlicher Liebe, die großes Glück bewirkt und damit den inneren Konflikt löst, mit dem das Werk begann.

Viele Kommentare zu diesem Satz haben sich auf das Haupttempo und die Länge des Satzes konzentriert. Wenn der Satz in einem unerträglich langsamen Tempo aufgenommen wird, kann er wie ein Klagelied klingen, was nicht der Andeutung entsprechen würde, Mahler habe ihn als Ausdruck seiner Liebe zu Alma beabsichtigt, andere sehen den Satz als angstbesetzt Erguss des Liebesschmerzes, der sich am besten in einem sehr langsamen Tempo ausdrücken lässt. Ein Teil des Problems ergibt sich aus dem Titel des Satzes selbst, Adagietto, der als Tempoangabe gelesen werden könnte. Als solches wäre das Tempo etwas schneller als Adagio, aber langsamer als sagen wir, mäßig. Mahler untermauerte damit das Argument, ein sehr langsames Tempo zu vermeiden, und lieferte Titel für Sätze aus diesen veröffentlichten Symphonien. Tatsächlich trägt der fortlaufende Satz den Titel Scherzo, aber in diesem und anderen Fällen bezogen sich diese Titel nicht auf die Form des Satzes zu seinem Tempo. Es ist jedoch alles andere als sicher, was Mahler mit diesem normalerweise mit Tempo identifizierten musikalischen Begriff vermitteln wollte, denn er bezeichnet auch eine Tempo-Markierung zu Beginn des Satzes. Sehr langsam. Dies scheint dem Titel des Satzes zu widersprechen, wenn er als Temporichtung interpretiert wird.
Mahler gibt auch dem Finale der Neunten Symphonie einen Titel, Adagio, platziert aber unmittelbar danach eine praktisch identische Tempo-Markierung. Sehr langsam und noch zurückhaltend, sehr langsam und etwas zögernd. Da es unwahrscheinlich ist, dass Mahler sowohl Adagio als auch Adagietto als Bezeichnung für dasselbe Tempo betrachtete, muss er einen anderen Grund gehabt haben, diese Begriffe als Titel für ihre jeweiligen Sätze zu verwenden. Es musste bis zum Ende des 19. Jahrhunderts üblich werden, den langsamen Satz einer Symphonie als Adagio-Satz zu bezeichnen, wobei Mahler mit der Verwendung der Diminutivversion von Adagio durchaus beabsichtigt haben könnte, sich auf seine Kürze zu beziehen, verglichen mit zum Beispiel die meist längeren Adagio-Sätze in Bruckner-Symphonien. Tatsächlich wurde vermutet, dass Mahler Bruckners großartige Adagio-Sätze huldigte, indem er dieses Wort an den Anfang des Finales der neunten Symphonie setzte. Könnte Mahler ähnliche Absichten in Bezug auf den langsamen Satz der Fünften Symphonie gehabt haben, ob er es getan hat oder nicht, der vierte Satz mit dem Titel ist keine Tempobezeichnung und sollte nicht als Beweis dafür angesehen werden, dass das Haupttempo des Satzes schneller sein sollte angegeben von Mahler, Sehr langsam.

Die Oboen und Celli eröffnen die Bewegung sanft mit anhaltend offenen Harmonien, über die die Harfe eine leichte Folge sanft fallender Arpeggios spielt, sie erzeugen tonale Ambiguität und rufen das Gefühl hervor, auf einer wogenden Wolke zu schweben.
In einem langsamen, erholsamen Tempo bewegt sich das Hauptthema, das sich mit dem Ende der absteigenden Harfenarpeggios überschneidet, in die entgegengesetzte Richtung, selbst erzeugt und entgegengesetzt zu dem, was davor war, beginnend mit einem Auftakt von drei Noten, die sich in der Art des Motivs schrittweise erheben Von Sehnsucht wird dieses zarte sentimentale Thema in den ersten Violinen leise und ohne zu zögern gespielt. Im Gegensatz zur üblichen Form des Sehnsuchtsmotivs folgt auf den Drei-Noten-Auftakt kein Intervallsprung nach oben, sondern eine Wiederholung seiner Kopfnote, die dann steigt um eine große Sekunde. Die dazugehörige Motivform bezieht sich hier auf die Verwendung als Hauptthema des zweiten Liedes oder der Kindertotenlieder, wo es eher traurig als erhebend klingt.

Das Hauptthema von Ich bin der Welt beginnt auch mit einer Variante dieses Motivs, wenn auch auf unregelmäßigere Weise, und löst Emotionen aus, die für das Thema des Adagietto charakteristischer sind.

Hier ist die Eröffnung der Bewegung und ihr Hauptthema.

Der Fünf-Noten-Verkauf des Sehnsuchtsmotivs wird zum Hauptbestandteil des Hauptthemas und durchläuft eine Reihe von Permutationen, anhaltenden und vorübergehenden Tönen und Pizzicato-Interpunktion der inneren Saiten in den unteren Saiten, und Harfen-Arpeggios bilden eine Komponente in einem Großteil des Eröffnungsabschnitts A. Cellos greifen das Thema spielerisch und allgemeiner auf.

Während das Thema dissonante Passing-Töne und Bratschen entwickelt und kleine Sekunden abfällt, verleihen Sie einen Hauch von Pathos zu seiner bittersüßen Lyrik. Nach einer unvollständigen Trittfrequenz fügen Celli einem ansteigenden Drittel einen merkwürdig abgeschnittenen, gepunkteten Rhythmus hinzu, der auf das Motiv der Unschuld der Kindheit hinweist.

Wiederholung der Hauptthemen, denen ein brillant kompakter Übergang vorausgeht, mit Schichten von anhaltenden Tönen in aufsteigender Reihenfolge in einer Weise, die nahe legt, sich jedoch geringfügig von den Eröffnungsmaßnahmen unterscheidet. Die ersten Geigen treten leise ein und verschmelzen praktisch in einem fallenden, gepunkteten Rhythmus, der von Viertelnoten auf dem Herzen unterbrochen wird, mit dem Thema. Bald wird die Musik leidenschaftlicher, Mahler erweitert ein Fragment des Themas, das aus einer ansteigenden kleinen Sekunde besteht, einem Aufwärtssprung, indem er das Intervall dieses Sprungs in aufeinanderfolgenden Wiederholungen erweitert, während das Tempo auf einen Höhepunkt zusteuert.
Auf einer langen absteigenden Achtelnote, die durchsetzungsfähiger wird und die Tonart ändert, wenn sie fällt. Die Musik erreicht einen Höhepunkt, ein plötzlicher Oktavsprung zu einem anhaltenden F-Dur-Akkord mit hohem A ist die Kopfnote, aus der absteigende Arpeggios und Streicher gegen aufsteigende Harfen-Arpeggios in einem flüchtigen Moment der Leidenschaft ausbrechen.

Während der Höhepunkt nachlässt und die Violinen von ihrem hohen A weiter abfallen als das Hauptthema, endet Abschnitt A mit der aufsteigenden Sekunde, die ausgesetzt bleibt, gegen dieselben Harfen-Arpeggios, mit denen der Satz begann. Der mittlere B-Teil beginnt mit einem neuen, durchsetzungsfähigeren Thema der ersten Violinen, das leidenschaftlich in einem flüchtigeren Tempo gespielt wird. Stoßende Attacken auf ausgehaltene Akkorde und tiefe Streicher verleihen dieser aggressiveren emotionalen Erguss Kraft.
Basierend auf der kleinen bogenartigen Figur im dritten Intervall, die von den Celli gespielt wurde, bevor das erste Thema während des A-Abschnitts wieder aufgenommen wurde, enthält dieses neue Thema auch das Vier-Noten-Motorlied zu den Wörtern Der Tag ist schönDer Tag ist wunderschön, am Ende des vierten Liedes der Kindertotenlieder. Mahler könnte diese musikalische Referenz beabsichtigt haben, um seine Hoffnung auf einen neuen Tag zu vermitteln, der durch die Anwesenheit seiner Geliebten schön gemacht wurde.
Ein Höhepunkt wird im mittleren Takt durch einen Aufwärtsschub zu einem starken dissonanten Akkord erreicht, der sich in G-Dur auflöst, der Tonart, in die die Tonalität sofort moduliert.

Die Musik wird schnell leiser und wird bald sentimentaler und verträumter. Aus dieser zarten Passage wird Mahler die Musik für das untergeordnete Thema des Finales generieren.
Das Motiv der Sehnsucht wird jetzt deutlicher und steigt nicht mit der Anstrengung intensiver Leidenschaft, sondern ganz sanft wie eine Liebkosung in große Höhen. Wenn das Lied wie eine Melodie inbrünstiger wird, der Tag ist schön Das Motiv taucht wieder auf, wenn sich die Tonalität auf dem Weg zu den Sonnenschein-Violinen von D-Dur Mahler zu E-Dur Mahlers himmlischer Tonart verschiebt. Der B-Abschnitt kommt zu einem tief bewegenden Abschluss einer langgestreckten Version der Sehnsucht, die sich verlangsamt und weicher wird, wenn sie auf ein hohes D steigt, um dann als Vorbereitung für die Wiederholung des Themas in F-Dur in zweiten Violinen um die Superoktave zu gleiten.
Mahlers herzlicher Ausdruck der Sehnsucht nach der Intimität der Liebe wird somit durch einen Sprung in den Abgrund unterbrochen, der eine unbewusste Angst symbolisiert, dass sein geliebter Traum nicht verwirklicht werden könnte.

Mit einem plötzlichen Wechsel zu einer eher introspektiven Stimmung kehrt die A-Sektion in ihrer ursprünglichen Tonart zurück, wobei das Hauptthema von den zweiten Violinen leise und breiter gespielt wird, wieder begleitet von Harfen-Arpeggios.
In einem höchst ungewöhnlichen Verfahren wird Tempo eins erst erreicht, wenn das Thema mitten im Gange ist. Der Übergang ist jedoch nahtlos, weil Mahler die verlängerte Version des Themen-Erstteils spielt, während er das vorherige etwas flottere Tempo beibehält. Celli erweitern das Thema auf einer bogenartigen Phrase zu einer Kadenz, in einem wunderbar taktischen Übergang erscheinen gehaltene Cs in überlappenden Eingängen, die sich durch das Streicherensemble erheben, an verschiedenen Stellen des Taktes eintreten und sich zögernd bis zum ersten vorarbeiten Violine. Ein langer, sanfter Seufzer leitet in den zweiten Teil des Themas ein, während sich in den zweiten Violinen das langgezogene und peppige Thema gegen das fallende Pizzicato in der Basis erhebt, fühlt man sich langsam zurück in die Gelassenheit des Anfangs gezogen. Diese kurze Überleitung in das Hauptthema des zweiten Teils ist eine der schönsten Übergangspassagen in der gesamten Musik Mahlers.

Nachdem sich das Thema in den ersten Geigen weiter ausdehnt, geht es plötzlich in Flammen der Leidenschaft auf. Anders als beim Höhepunkt des ersten A-Abschnitts wird das Tempo nicht nach vorne gedrückt, und die absteigende Phrase wird kurz geschnitten und springt jetzt bis zu einer Oktave über dem zuvor erreichten A nach oben. Die Superoktave A wird von den ersten Violinen auf einem Crescendo gehalten, wobei so viel Bogen wie möglich verwendet wird, während eine Unterströmung der 16-Noten-Figuration in inneren Saiten in einen F-Dur-Akkord stürzt, der von Anmutnoten nach oben gedrückt wird. In breiten, kräftig akzentuierten Tönen empfingen die Geigen aus den Höhen, ihr Abstieg setzte sich in tiefen Saiten fort und kehrte dann zu Geigen zurück. Sie halten sich fest Fortissimo mit aller Kraft, während sie die letzten Maßnahmen vorantreiben. Die Musik fällt allmählich von ihrer großen Höhe ab, zuerst nachdrücklich, und dann dringender, sie fallen Phrasen, die bald mit starker Betonung auf einen schwebenden dominanten siebten Akkord ausgestreckt werden, der sich in einer Reihe von Schmelzmodulationen in das Tonikum auflöst. Halten Sie den Hauptton wie in Verzweiflung fest, bis auch er auf den Tonika-Akkord fällt, der langsam verschwindet.

Diese zutiefst bewegende Schlussfolgerung zu Mahlers Liebeserklärung zeigt, dass er bereit ist, den Schmerz seines Verlangens in der Hoffnung auf seine Erfüllung zu ertragen. Lange Suspensionen erzeugen die Illusion von Zeitlosigkeit, die impliziert, dass die so heiß begehrte Liebe durchaus ewig sein kann. In diesem Sinne könnte das Adagiet zu seiner zugrunde liegenden Prämisse sehr wohl das Gegenteil davon sein, dass eine Bindung entwickelt wurde und das gemeinsame Gefühl von Mahler der Entfremdung und Einsamkeit durch seine Sehnsucht nach gegenseitiger Liebe zerstreut wird.

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Von Lew Smoley