Höranleitung – Teil 5: Finale. Langsam, schwer

Abschrift

Mahlers letzter symphonischer Satz, er schrieb eines seiner schönsten Themen und einige seiner bewegendsten, seelensuchenden Musik. In seinem letzten Bemühen, menschliches Leiden und Sterblichkeit zu überwinden, schafft Mahler einen letzten Dualismus. Das ist die Zusammenfassung seiner Suche nach Antworten auf die existenziellen Fragen, die ihn zeitlebens plagten. Diese Dualität hat ihre Wurzeln in der Romantik, die schon vor Mahlers Lebzeiten ihren Höhepunkt erreicht hatte und in Goethes Faust und Wagners Tristan und Isole, der Dualität von Liebe und Tod, ihre größte künstlerische Manifestation fand.

Bei der Skizze des 10. litt Mahler am stärksten unter den Qualen der verlorenen Liebe und spürte intensiver denn je und das Bewusstsein des drohenden Todes, dass die zufällige Entdeckung der Untreue seiner Frau eine schreckliche Katastrophe war, die er nicht lange genug hätte beheben können. er begann erst zu schätzen, wie viel sie ihm bedeutete, als es zu spät war. Der Schmerz, den ihre Untreue verursachte, kombiniert mit seinen eigenen tiefen Schuldgefühlen, wie er sie behandelt hatte, waren zu viel für ihn. Mahler drückt diese Gefühle in Ergüssen schmerzhafter Emotionen aus, sowohl in der Musik als auch in den beschimpfenden Worten, die er über die Skizzenblätter scrollte.

In einem tristanesken Ausdruck seiner Liebe zu Alma verbindet Mahler Leben und Tod mit Liebe, um die Kluft zwischen ihnen zu überbrücken, in einem leidenschaftlichen Ausdruck seines totalen Engagements für sie. für dich zu leben für dich zu sterben, (für dich zu leben, für dich zu sterben). Im letzten Satz des 10. Satzes präsentiert Mahler ein weiteres menschliches Konfliktdrama. Hier zwischen dem wahren Wert des Lebens, der Liebe und dem Tod, ist das erschreckendste Potenzial, die völlige Vernichtung, sein letztes Zeugnis von Leben und Liebe. Ganze Passagen sowie einzelne Motive früherer Sätze erscheinen im Finale und erinnern an die erschreckenden Visionen von Vernichtung und Todesahnungen, die in seinen letzten drei Werken so furchterregend präsentiert wurden. Der Muffelschlag, der den vierten Satz beendete, beginnt nun mit dem fünften, es ist wieder ein kraftvoller Schlag, der die unruhige Stille durchbricht. Weitere 10 Stille folgen, nur um von einer Kletterphrase und Bassinstrumenten unterbrochen zu werden, die sich anhören wie eine schwerfällige Gestalt, die aus der völligen Dunkelheit des Abgrunds kriecht. Wieder Stille, die durch einen weiteren verheerenden Schlag auf die gedämpfte große Trommel wie ein Schlag erschüttert wird, ein Horn erklingt leise, aber bedrohlich das Motiv B aus dem Purgatorio-Satz. Und nach einem Moment Stille und anderer Todesstoß auf der gedämpften Trommel. Tragische Vorahnungen erfüllen die Luft, wieder tritt ein Horn mit einer gekürzten Version des erbarme Motiv, das nicht mehr wie beim vierten Satz aus dem vollen Orchester explodiert, sondern leise und traurig gespielt wird, wird auch es von einem gedämpften Trommelschlag erschüttert. Nachdem diese Sequenz wiederholt wird erbarme dehnt sich in das erste Thema aus, diese tröstende Melodie von einer Flöte ist vielleicht Mahlers liebenswertestes Liebesthema, sie wirft die düstere Atmosphäre der Einleitung mit Wärme und Zärtlichkeit beiseite. Es endet mit einer Wendefigur und erstreckt sich über die erbarme Motiv, das mit einem dreistimmigen Auftakt des Sehnsuchtsmotivs beginnt.

Violinen übernehmen und erweitern das Liebesthema und eine Variationsfolge, in der das Motiv B in Flöten auftritt und das Horn die Barmannsphrase wiederholt. Als sich das Liebesthema zu einem Höhepunkt entwickelt, wird es von einem weiteren Muffelschlag zerbrochen, der die Einleitung zurückbringt. Ein kontrastierendes Scherzando-Thema mit der Bezeichnung Allegro moderato ist von dämonischer Besetzung und erinnert an ähnliche Musik aus dem Scherzo- und dem Fegefeuersatz. Aber hier kann der innere Dämon seinen Protagonisten, repräsentiert durch das Liebesthema, nicht unterwandern und bleibt während des ganzen Satzes von ihm isoliert. Die zerstörerische Kraft, die in unserem Innersten lauert, kann die menschlichen Emotionen, die die Liebe in uns weckt, nicht begreifen.

Im weiteren Verlauf des Finales nimmt das Liebesthema einen edlen Charakter an, der uns an eine ähnliche thematische Wandlung im Finale der Dritten Symphonie erinnert, hier aber von tiefem Leiden geprägt ist. Denn anders als der dritte mit dem zehnten Tod naht und der Verlust der Liebe noch tiefer empfunden wird, müssen die monströsen dissonanten Akkorde des ersten Satzes, die eine erschreckende Visionsvernichtung hervorriefen, noch einmal durchlitten werden. Aber dann besiegt, denn das Liebesthema wird am Ende triumphieren, sich durch diese Vision kämpfen, um mit dem Tod fertig zu werden und die Tragödie des unvermeidlichen Endes des Lebens zu überwinden. In den letzten Takten quillt die Musik zu einem lauten Seufzer auf, der traurigen Erkenntnis all dessen, was im Tod verloren gehen muss. In den wenigen Maßnahmen, die danach verbleiben, wird deutlich, dass Mahler endlich Frieden gefunden hat.

Der Aufbau des Finales ist sowohl in seiner formalen Gestaltung als auch in seinem klanglichen Verlauf ungewöhnlich, weder ein Rondo noch ein Sonaten-Allegro, es besteht aus zwei divergierenden Themen, dem zarten Liebesthema und dem dämonischen Scherzando-Thema, die jeweils als eigenständige Themen präsentiert werden . Das tonale Schema geht von d-Moll, der gleichen Tonart, in der der vierte Satz endete, zu Fis-Dur, der Haupttonart der Symphonien. In dieser Hinsicht ist der Satz selbst ein Beispiel für progressive Tonalität, ein Begriff, der im Allgemeinen eher auf die Schlüsselbeziehung der Sätze in einer Sinfonie als auf zwei Abschnitte eines einzigen Satzes angewendet wird.

Typischerweise verknüpft Mahler die Symphonie durch die Verwendung von Motiven und verkürzten Versionen ganzer Passagen aus früheren Sätzen. Jeder dieser rückwärtsgewandten Verweise hat eine negative Konnotation und verspottet uns mit seiner Vorahnung des Todes. Aber durch Leiden bringt das Liebesthema Erlösung und dauerhaften Frieden. Mahlers Ziel in seiner letzten Periode war es, in Musik auszudrücken, wie er durch Kampf und größeres Bewusstsein seine eigenen inneren Dämonen besiegen und dem Tod mit der Gewissheit begegnen konnte, nicht umsonst gelebt zu haben, sondern das Leben doch Wert und Sinn hat. In seinem Bemühen, dies zu tun, zeigt er großen Mut, großartige Geistesstärke und edle Seele. Das Finale beginnt mit dem gleichen Schlag der Muskeltrommel, der den vierten Satz beendete.
Der zweite mächtige Schlag, der nach der momentanen Stille kommt, die diesen Satz vom vorherigen trennt, bestätigt, dass wir in ein völlig anderes Reich als das des dämonischen Scherzos eingetreten sind Tod.

Es folgt eine ausführliche Einleitung in einem langsamen, gewichtigen Tempo, eingetaucht in Dunkelheit und Düsterkeit aus den tiefsten Regionen der Basis, langsam kriecht eine taktlange Skalarphrase nach oben. Seine mürrische Böswilligkeit ruft das Bild eines riesigen Monsters hervor, das schwerfällig aus seiner Schicht herauskommt. Man erinnert sich an die unheimliche Eröffnung des Hexensabbatfinales von Berlioz, die Fantastique mildert, und an die Musik des Drachen in Sigfried. Diese düstere Phrase hat ihren Ursprung in der aufsteigenden Fagottpassage, die die beiden Hauptthemen des neunten Sinfonienfinales trennte. Hören wir uns diese Passage aus der Neunten Symphonie an.

Wenn der Basisaufstieg mit einem dissonanten D-Akkord endet und andere kraftvolle Schlagzeugschläge die Luft erschüttern. Nach Wiederholung der Eröffnungstakte erklingt leise, aber bedrohlich das dämonische Motiv B aus dem Purgatorio-Satz auf einem Horn. Es folgt ein weiterer Schlag auf der gedämpften Trommel, der zusammen mit dem Motiv B und der ansteigenden Skalarphrase gespielt wird. Ein Horn spielt leise, aber ausdrucksvoll eine sanfte Version des erbarme Motiv, das sowohl im Purgatorio- als auch im Scherzo-Satz mit größerer Kraft zu hören ist, die Hörner dann crescendo zu einem durchdringenden dissonanten Akkord, der um eine Sekunde fällt, um das Abschiedsmotiv zu betonen. Ein Decrescendo endet mit einem Schlag der gedämpften Trommel, der wie eine schicksalhafte Verkündigung des Untergangs klingt.

Die gesamte Sequenz wird dann wiederholt, lange gehaltene Akkorde erzeugen eine mysteriöse Aura. Nach einer zweiten Aussage von erbarme das endet wieder mit einem durchdringenden Abschiedsschub, der von einem weiteren Trommelschlag unterbrochen wird. Eine Bassklarinette antwortet, indem sie das dämonische Motiv B knurrt, Hörner wiederholen das Abschiedsmotiv und die Basstuba antwortet mit der ansteigenden Scaler-Phrase. Hörner wiederholen die steigende Septime, die begann erbarme als Auftakt dazu, der dann in das erste Thema übergeht. Diese zweimal wiederholte aufsteigende Septime wird ganz am Ende des Satzes wieder auftauchen, diese beruhigende Hornphrase teleskopiert in das Liebesthema in D-Moll, gespielt von einer Soloflöte, es war eines von Marvels schönsten lyrischen Themen, ein Ausdruck menschlicher und göttliche Liebe, die nur mit dem Eröffnungsthema der dritten Symphonien, Finale, verglichen werden kann.

Mahlers Idealisierung der Liebe strotzt nicht vor Leidenschaft, sondern ist sanft und tröstend wie das zarte Wiegenlied einer Mutter. Es scheint uns zu drängen, die Dunkelheit nicht zu fürchten, aus der es hervorgegangen ist und in die es schließlich verblassen wird. Seine Moll-Tonalität lässt es eher bittersüß als tragisch klingen.
In Erinnerung an das Adagietto-Thema der fünften Symphonien, das auch einige musikalische Elemente teilen würde, wird das Liebesthema mit zunehmendem Anstieg erweitert und fügt eine Variante des Sehnsuchtsmotivs hinzu, die Originalversion unseres Barmanns aus dem Fegefeuer und eine Wendefigur das erinnert an das Finale der Neunten Symphonie. Das Fallen erbarme gespielte Phrase und punktierte Rhythmen klingen nicht mehr erbärmlich, obwohl sie noch einen Hauch von Melancholie haben, in einem sanften Flüstern greifen Violinen das Liebesthema auf, das nun nach H-Dur transponiert und von bogenförmigen Phrasen in inneren Streichern begleitet wird. Während sich die Geigen zu einem Crescendo erheben, steigen Hörner und Bratschen auf einer Variante unseres Barmanns, die sich auf einen Höhepunkt zubewegt, aber kein Höhepunkt wird erreicht, der Aufstieg der Geigen wird unterbrochen, kurz bevor er zu einem Ruheplatz kommt, und die Musik wird leiser. Zweite Geigen erweitern das Liebesthema, jetzt mehr mit sich selbst im Reinen. Eine Flöte verwandelt Motoren B in eine sanft beruhigende Phrase, eine tröstende Ruhe umhüllt die Musik. Ein Horn beginnt den Prozess der weiteren Ausweitung des Liebesthemas mit einer düsteren Aussage des Barmann-Motors aus der Einleitung. Während die ersten Violinen dieses Thema weiter entwickeln, wird es glühender Ausdruck, bald darauf erhebt sich das Liebesthema wie sehnsüchtig nach Erfüllung, der aufsteigende dreitönige Auftakt des im Thema enthaltenen Sehnsuchtsmotivs löst sich nun nach unten auf und gibt nach zur Hornrufphrase. Die aufsteigende siebte, die die begann erbarmeMotiv, wurde dieses erstmals während des Liebesthemas eingeführt und wird bewegend von den ersten Geigen gespielt.

Vier Hörner kombiniert mit den Geigen zu weiteren Elementen des Liebesthemas, während die Geigen mit großer Leidenschaft in die Höhe steigen und Oboen und Klarinetten das wiederholen erbarme Motiv.
Während die Musik weiter auf einem gewaltigen Crescendo ansteigt, werden die schmerzlichen Emotionen, die hier ausgedrückt werden, fast unerträglich, wenn dieser enorme Aufbau einen bewegenden Dur-Akkord erreicht es wird uns über die Grenzen menschlichen Leidens hinausführen. Doch der Höhepunkt, auf den es zusteuert, wird durch einen schockierenden Schlag auf die Muffeltrommel abgebrochen, betäubt von diesem erschütternden Schlag, werden wir aus unserem Liebestraum geholt. Ich werde an die Unvermeidlichkeit des Todes erinnert, das ultimative Ergebnis all unserer Bemühungen, in dieser Welt Erfüllung zu finden. Wir werden den nächsten Auszug vom Anfang des Liebesthemas beginnen.

Wie wir gerade nach dem verheerenden Schlag auf die gedämpfte Trommel gehört haben, Dollar ist die Musik der Einführung zurück. Seine motivischen Figuren tauchen nicht als leise Regungen aus dem Abgrund auf, sondern als kraftvolle Ankündigungen eines tragischen Schicksals. Ein Blasrohr brüllt die aufsteigende Scalerfigur aus und eine Trompete platzt das dämonische Motiv hässlich heraus, Violinen versuchten, das Hauptthema mit dem Schub ihrer optimistischen Septime zurückzubringen, aber die gedämpfte Trommel schneidet sie mit einem weiteren kräftigen Schlag ab .
Bald wird die Musik leiser und ein Horn intoniert die erbarme Satz, der traurig klingt wie am Anfang, danach erbarme geht in die Tiefe der Primärmotive aus der Einleitung erscheinen noch einmal, jetzt klingen sie eher wie zu Beginn des Satzes, bedrohliches Gemurmel aus dem großen Abgrund und verlängerte Version des Luftbarmanns in Holzbläsern und Hörnern, endet mit einem stark akzentuierten E flacher Septakkord, unterbrochen von einem weiteren erschütternden Schlag auf der gedämpften Trommel.

Mit diesem rätselhaften Akkord endet der erste Abschnitt, Abschnitt A, ohne sein Ziel zu erreichen, die Befreiung von unerträglichem Leiden. In Mahlers Philosophie kann eine solche Erleichterung nur nach einer direkten Konfrontation mit den Kräften erfolgen, die den menschlichen Geist mit der Ottervernichtung bedrohen. Im Beef-Abschnitt werden diese Kräfte ihre zerstörerische Kraft frei zur Schau stellen, manchmal mit sardonischem Zynismus, Abschnitt B beginnt mit einem plötzlichen Temperaturwechsel zum Allegro moderato und einem Wechsel zu einem stetigen Duple-Meter. Alle drei Motoren aus dem einleitenden ehemaligen Scherzando-Thema ähneln dem von Angst, so dass jeder dieser Motoren jetzt in schelmischen Figuren verwandelt wird, die den inneren Dämon charakterisieren, da sich das antagonistische Motiv B mit der aufsteigenden Skalarfigur verbindet, um eine flüchtige kleine Phrase zu erzeugen, die von der . gespielt wird Klarinetten und dann Fagott und Oboe mit einer scharfkantigen Version von erbarme, und ein erster Hinweis auf die endgültige Lösung des Konflikts zwischen widerstreitenden Aspekten des menschlichen Geistes erfolgt nach der ersten Wiederholung der Bienenabschnitte das Hauptthema. Unmittelbar nach Abschluss des Themas geht es weiter mit der Sprungabfahrt auf erbarme Variante beginnt eine Klarinette die Originalversion unseres Barkeepers zu spielen. Aber anstatt seinen Abwärtskurs fortzusetzen, erhebt er sich schließlich auf einer punktierten rhythmischen Figur, was seine spätere Transformation der Wildnis mit einer Extrapolation von ahnen lässt erbarme das beginnt mit einem aufsteigenden diatonischen Dreiklang. Die teuflischen Sprünge zu diesem Thema tauchen in den Bläsern wieder auf und werden umfassend mit Turnfiguren entwickelt, die an den burlesken Satz der Neunten Symphonie erinnern und das Springen unserer Bombe und Variante in eine Art Trillerteufel-Tanz verwandeln. Hören wir von Anfang an das zweite Thema des Scherzandos.

Plötzlich bricht das ganze Orchester zu einem kraftvollen B-Septakkord aus, aus dem das endgültige erbarme Das Motiv senkt sich kurz ab, wird aber vom antagonistischen Scherzando-Thema unterbrochen.
erbarme bittet zwei Takte später erneut um Gnade, doch diese Erleichterung wird von den Bläsern verweigert mit einer energischeren Behauptung des Scherzando-Themas jetzt die dreiknotenige Aktualisierung des Sehnsuchtsmotivs, das Teil des Liebesthemas war, wird vor Motiv B hinzugefügt was bedeutet, dass der innere Dämon menschliche Emotionen absorbiert und dekonstruiert, so wie das Liebesthema aufgenommen und verklärt wurde. Das böse Motiv B in einen einfachen Ausdruck zärtlichen Mitgefühls, sogar das Motiv eines Abschieds, einer fallenden Sekunde, als teuflisches Klingeln dazu, wenn die Geigen den ersten Ton jeder sich wiederholenden Tonfigur als Begleitung zu den Bläsern trällern, puckisches Scherzando-Thema. Nach der Weiterentwicklung des Scherzando-Materials wird die Musik kräftiger und energischer, es scheint, dass der dämonische Geist die Oberhand gewonnen hat. Aber auf einmal wechselt die Tonalität zu einem sonnigen D-Dur. Jetzt die erbarme verwandelt sich in ein Thema von heroischer Haltung und Belastbarkeit, sein Aufwärtsschub einer Septime, das ebenfalls zu lieben begann, wird nun durch eine bejahendere wiederholte Kopfnote ersetzt. Erbarmes fallenden Phrasen konterkariert die aufsteigende Figur im punktierten Rhythmus in die frühere, zu der eine sehnsuchtsorientierte, dynamische Bogenphrase hinzugefügt wird, die ebenfalls mit einem aufsteigenden punktierten Rhythmus endet. Auch das dämonische Motiv B kann den heroischen Charakter dieses verklärten Themas nicht untergraben, es zeugt von einer Bekräftigung des Lebens, als ob der Schrei des erbarme endlich gehört und beantwortet wurde, erweitern Holzbläser dieses neue Thema der Überwindung, indem sie den einst antagonistischen Modus der Posaunen einbeziehen, und dann versuchten die Hörner immer noch, dieser triumphalen Behauptung der Überwindung einen Schlag zu versetzen, mit einer winzigen Variante des dreistimmigen Auftakts von Sehnsucht, Plus, Motiv B, aber Geigen wiederholen das neue Thema eindringlich, ohne Anzeichen von Verletzung oder Kraftverlust.

Während Wildlands dieses herrliche Thema weiter entwickeln, behaupten sich dämonische Kräfte wieder, zuerst in Form eines abgeschnittenen punktierten Rhythmus von Angst so zu und dann in einer ansteigenden vierfachen Wiederholung von Motiv B und Holzbläsern, die mit zunehmender Intensität nach vorne drängen. Es ist gepaart mit Wiederholungen fallender Sekunden in einem trochaischen kurzen, kurzen, langen Rhythmus, der das Original einleitet erbarme Motiv in Scherzo zwei, wie in diesem Satz, treiben die fallenden Sekunden die Musik immer weiter in einen Höhepunkt. wenn es auftritt. Das gesamte Orchester explodiert mit ungeheurer Kraft auf einem massiven verminderten Akkord, der die letzten der wiederholten Motiväußerungen überlagert, sei es diese von den Trompeten boshaft knurrend die Tiefen der Seele. Holzbläser antworten mit einem Fragment des Scherzando-Themas von Abschnitt B und versuchen, den dämonischen Mächten nach diesem inbrünstigen Flehen um Gnade den Sieg zu bringen. In dem Bemühen, die destruktiven Kräfte abzuwehren, antwortet ein Horn nach einem erfolglosen Versuch, sich mit seinem optimistischen Siebte zu behaupten, mit einem zärtlichen und mitfühlenden Ausdruck des Liebesthemas auf die Herausforderung.

Danach verstricken sich dieses Thema und die Themen des teuflischen Scherzandos in einen Kampf, bis Streicher versuchen, den Konflikt zu beenden, indem sie eine verdrehte Variante eines Fragments aus dem Liebesthema gewaltsam wiederholen und damit einen anderen Aspekt dieses Themas andeuten. Seine Zähigkeit und Haltbarkeit. Orans Schlüssel wiederholt die Liebesthemen, die den siebten Auftakt ansteigen, um den inneren Dämon zu vertreiben. Es sollte nicht übersehen werden, dass sowohl erbarme als auch das Liebesthema mit einem ansteigenden XNUMX. Horn beginnen, einen weiteren Angriff des inneren Dämons für den Moment abzuwehren scheinen. Trotz eines letzten Atemzuges des Motivs B, das schnell auf einer Flöte gespielt wird, beruhigt sich die Musik und führt allmählich in die Rückkehr des A-Teils und des Liebesthemas über. Es ist nicht das Liebesthema, das nach dem Wechsel der Tonart nach H-Dur erklingt, sondern die Violine intoniert sanft die erbarme Motiv, wieder in einen ruhigen und beruhigenden Ausdruck einer Seele in Frieden mit sich selbst verwandelt. Während diese verklärte Ladung sanft eine Horde fällt und in der sendenden Skala punktierter Rhythmen spielt, die an erbarme's frühere Verwandlung in ein heroisches Thema. Durch gegenläufige Bewegung von steigenden und fallenden Phrasen. Mahler integriert die mitfühlenden und heroischen Aspekte dieses wichtigen Motivs. Eine Trompete spielt zärtlich das Liebesthema, das wieder wie ein Schlaflied klingt, sanfte Harmonien und Bläser und Streicher. Nachdem die Streicher das Liebesthema Klarinettenklang übernommen haben, die modifizierte Version des Motivs B ohne seinen früheren dämonischen Charakter, klingt das Motiv B nun sympathisch und liebevoll, Geigen steigen leise auf eine ansteigende Phrase aus dem Liebesthema, die in Verbindung mit der einen Bogen bildet fallende Figur von erbarme während eine Oboe eine punktierte rhythmische Version des neu verklärten Motivs B spielt. Hier beginnt die Tonalität nach d-Moll zu modulieren, mit einer plötzlichen Kehrtwendung kehrt das Scherzando-Thema in D mit neuer Kraft zurück. Trotz einer tapferen Anstrengung von Flöten und Violinen, das Liebesthema fortzusetzen, mit wiederholten Wogen seines ansteigenden XNUMX. B-Abschnitt. Während das Tempo nach vorne drückt. Es klingt nach wie vor verschmitzt boshaft, mit einem Triller, der das Tanzmotiv des Teufels wie zuvor in den zerstreuten Klang oder das Thema eingefügt hat.

Wieder werden Elemente aus dem Liebesthema transformiert, um Teil des dämonischen Scherzando-Themas zu werden. Die nach unten gedrehte Figur, die stakkato gespielt wird, klingt böse, und die fallenden erbarme Phrase verwandelt sich in den Teufelstanz selbst, Violinen treten energisch ein mit einem Thema der Überwindung, um die inneren Dämonen zu vertreiben, Violinen wiederholen dieses Thema mit größerer Kraft und halten die fallende Figur aus erbarme das baut auf Schließung auf. Aber bevor sich das dynamische Thema der Überwindung von der fallenden Phrase des erbarme ein krachender dissonanter Septakkord zerschmettert wie ein gewaltiger Donnerschlag den Willen des Themas, weiter zu streben. Diese plötzliche Explosion schockiert uns mit seiner Wucht und zerstört das Vertrauen, das die Wiederbehauptung des überwältigenden Themas bei seiner Rückkehr erzeugt hat, wie von Zauberhand kehrt die Tonika des ersten Satzes Fis-Dur zurück, während das Tempo hektisch voranschreitet. Hörner schmettern das Motiv in seiner punktierten rhythmischen Konfiguration in der erschrockenen Sandalenmusik, Geigen fallen von der Höhe auf einer absteigenden Modalskala, die an einen Abschnitt des Andante-Themas erinnert, das die Sinfonie eröffnet. Während dieser Passage der Trompete hält das gleiche hohe ein Natural, das eine Brücke zwischen den entsetzlichen, aufgestapelten dissonanten Akkorden gebildet hatte, die gegen Ende des ersten Satzes auftauchen.

Wenn die Violinen ihren Abstieg beendet haben, jede Note spöttisch herausdrängen, weichen sie dem hohen A der Trompeten. Wir machen uns auf das, was wir nur erwarten können, die Rückkehr der furchterregenden dissonanten Akkorde, die im Gefolge eines anhaltenden auszubrechen drohen Ton und so machen sie eine gekürzte Version der sich überlappenden triadischen Akkorde aus dem ersten Satz, die einen entsetzlich schmerzhaften dissonanten Akkord erzeugten, der sich übereinander stapelt.

Diesmal werden wiederholt Motive B in den Klarinetten wiederholt, und ein Fragment des Scherzando-Themas, das dieses Motiv in den Trompeten enthält, notieren schnell, als wollten sie den Sieg herausfordern, diejenigen zu überwinden, die kürzer als die ursprüngliche Länge waren. Diese unglaublich moderne Episode hat nichts von ihrem Schockwert verloren, diesmal durchdringen Posaunen das Klanggewirr mit einer Wiederholung der Trompetenrock-Sandalen-Phrase.

So haben wir den letzten Ansturm der dämonischen Kräfte erlebt, die versuchten, den menschlichen Geist daran zu hindern, die Angst vor dem Tod zu überwinden, Mahler bringt diese schmerzhafte Episode zurück, weil er seinen inneren Konflikt nicht endgültig lösen kann, bis er sich seiner schrecklichen Vision der Vernichtung stellt und sie überwindet . Wenn die Trompeten a natural den extrem dissonanten Akkord abschneiden, der sich aus den aufgestapelten Dreiklängen ergibt, behaupten die Hörner das Andante-Thema aus dem ersten Satz. Aber hier hat es keinen traurigen Charakter mehr, sondern klingt heroisch, als würde es einen großen Sieg signalisieren. Damit der menschliche Geist über seine inneren Dämonen gesiegt hat, wird der dämonisch verängstigte Sandow nicht länger versuchen, das erneuerte Selbstbewusstsein des Geistes mit beißendem Zynismus zu untergraben. Von nun an singt die Liebe ihren letzten Abschied vom Leben mit der Musik der tiefsten, herzzerreißendsten Emotionen, die Mahler sich jemals erlaubte zu komponieren. Ein Holzbläserchor beginnt eine Reihe von Variationen über das Liebesthema, die mit jeder weiteren Aussage leidenschaftlicher werden, Holzbläser streicheln jede Note dieses glückseligen Themas, während sich die Musik in eine ruhige Stimmung legt, Klarinetten übernehmen die Melodielinie, während eine Oboe undo Englisch Horn fügt harmonischen und melodischen CounterPoint hinzu, Hörner folgen mit einer thematischen Variation, die unsere aufsteigende Quarte beginnt, und enthält eine viertönige Phrase mit Betonung auf dem zweiten Schlag. Dieser Satz bezieht sich sowohl auf die Eröffnungsnoten des Liebesthemas als auch auf den Eröffnungstakt des Adagio-Themas aus dem ersten Satz, der hier in einen Ausdruck seelenvollen Mitgefühls umgewandelt wurde.

Wenn das Tempo zu einem Adagio zurücktritt und die Tonart auf die Tonika der Symphonien moduliert, greifen die Violinen diese bewegende Phrase im Dialog mit Bratschen und Celli auf und erweitern sie, der dreitönige Auftakt der Sehnsucht leitet diese neue Variation des Liebesthemas ein , die Intervalle der viertönigen Adagio-Figur werden nun auf eine steigende kleine Septime gedehnt, was das Liebesthema andeutet, und eine abfallende übermäßige Sexte, so neu konfiguriert, diese Variation des Liebesthemas erinnert an die umgekehrte Version des zweiten Themas aus dem Finale von Die Sechste Symphonie.
Die häufige Verwendung der Septime erinnert an ihre bedeutende Rolle beim Staub hinterlassen in der Luft, dass bald die ansteigende Septime des ursprünglichen Liebesthemas durch einen Abstieg nach unten ersetzt wird, da die Adagio-Themenvariante weiterhin Hörner und innere Streicher konterkariert ein Fragment eines Liebesthemas, das im zweiten Scherzo entsprungen ist, aber auch an das Hornmotiv erinnert, das zu Beginn der Neunten Symphonie gespielt wurde. Zweitens schweben Violinen das Liebesthema sanft über Streicherharmonien, die durch abgeschwächte Harfenarpeggien verstärkt werden.
Die ersten Violinen greifen die thematische Variante des Adagio auf, wenn der Melodielinie eine synkopierte Version des Barmanns hinzugefügt wird, diese Art von Angst trägt keine Spur mehr, es ist ein Plädoyer für die Erlösung vom Leiden wurde mit dem Licht verklärt und Wärme des Liebesthemas verschmilzt ein Fragment des Adagio-Themas mit dem Liebesthema und symbolisiert die Verwandlung von Trauer in ewige Liebe. Hören wir von den Geigen die Rekonfiguration des Adagio-Themas in das Liebesthema Gorgeous.

Streicherharmonien zieren das Liebesthema, während es sich sanft und sanft entwickelt, und Violinen in einem strahlenden G-Dur. Am Ende dieser Variation erheben sich die Geigen, während die tieferen Federn fallen, und arbeiten sich in eine weitere warme, tröstende Version des Liebesthemas in der Haupttonart der Symphonien ein, die von der engelsgleichen Variante des Motivs B geziert wird, die sanft von den Trompeten gespielt wird. Während dieser kurzen Variation übernimmt das neu verklärte Adagio-Thema und baut sich leidenschaftlich zu einem Fortissimo auf, um dann plötzlich nach unten zu einem stark akzentuierten Cis zu stürzen, das allmählich verblasst.

Nachdem dieser Ton nachgelassen hat, treten die inneren Streicher mit einem drängenden neunten Akkord in Fis mit der offenen Quinte kraftvoll ein, wir sind fassungslos über das plötzliche Eindringen, das die Atmosphäre kühlt und das Schlimmste erwartet. Aber was aus diesem furchterregenden Akkord hervorgeht, ist eine neue Variation des Liebesthemas, das mit überwältigendem Paddel aus den Streichern gegossen wird. Es ist wohl Mahlers bewegendstes Statement seiner Liebe zu Alma und zum Leben selbst. Diese neue Variation des Liebesthemas beinhaltet den dreistimmigen Auftakt der Sehnsucht, eine Gruppenpedalfigur oder eine ausgedehnte Drehung und die synkopierte erbarme Phrase, aufsteigende skalare Phrasierung, Celli und Klarinetten verleihen dieser bewegenden thematischen Aussage Schärfe und erinnern an das Tubasolo, mit dem der Satz begann. Bald erhebt sich das Gegenteil von Sehnsucht immer mehr in sich wiederholenden Phrasen, die sich direkt auf den auto-sanften Satz der Fünften Symphonie beziehen, die Mahler angeblich als Liebeslied für Alma geschrieben hat, das Liebesthema in seiner Auflösung noch einmal gewaltsam mit zerreißender Leidenschaft wiederholen, die melodische Linie fällt sanft um eine Quinte, anstatt weiter anzusteigen, was bedeutet, dass sie nicht mehr nach dem ersehnten Erreichten streben muss. Von hier aus lässt das Liebesthema für einen Moment allmählich nach, angenehm ruhend in den ersten Geigen, die wie ein Ruf aus einem hohen Horn klingen, sanft die ansteigende Septime anstimmen, mit der das Thema zuerst begann, gepaart mit der engelsgleichen Umsetzung des Motivs B.

Nach einem Verweis in Flöten und zweiten Violinen auf ein Fragment des Adagio-Themas der ersten Sätze steigen die Flöten auf der steigenden Skalarfigur auf, die zuerst zu Beginn des Satzes zu hören ist, Oboe und erste Violine kehren den steigenden siebten Auftakt zum Liebesthema um, was darauf hinweist, dass intensive Sehnsucht wurde durch den Trost des ewigen Friedens gestillt, als weiterer Beweis dafür, dass der menschliche Geist und Mahler endlich eine Antwort auf die existenziellen Fragen gefunden haben, die sie scheinbar plagen. Eine Bassklarinette kehrt die mürrische Kletterphrase, mit der der Satz beginnt, um und bringt ihn sanft in seine letzte Ruhe. Sein daktylischer Rhythmus kehrt den Anapest des Motivs B um und nimmt einen verschleierten Bezug auf rhythmisches Material aus Scherzando XNUMX auf. Diese motivischen Umwandlungen sollen keine negative Wendung der Ereignisse signalisieren, sondern die Transformation, möglicherweise Umwandlung des inneren Dämons, der die Seele unaufhörlich. Was erreicht wurde, ist kein Zustand des Nichts oder des Vergessens, sondern die Gelassenheit, die aus der Vereinigung der Gegensätze entsteht, die den Riss im menschlichen Geist heilt, der von inneren Konflikten zerrissen wird, die Erfüllung des Gebets um Erlösung, das uns so tief bewegt hat im Finale der Neunten Symphonie.

Als wir uns der letzten Coda nähern, hallen nur die Klänge des Abschieds und die beruhigenden Klänge der engelsgleichen Version von Motiv B leise nach und Holzbläser und Hörner. Wenn Motiv B zu den Bratschen übergeht, ist es doppelt lang, unterstützt und sucht letzte Ruhe vor dem sanft tröstenden Motiv A zum Abschied in der Bassklarinette. Der ansteigende Siebte-Auftakt des Liebesthemas erklingt zweimal, zuerst in den Celli, dann auf dem Solocello, der Kontrast zwischen der fallenden Sekunde des Abschieds und der steigenden Septime des Aufrufs, der das Liebesthema aufruft, konflatieren, um a . zu bilden Phrase, die die Essenz der tragischen Ironie des Lebens ausdrückt. Der nach unten gerichtete Zug des Leidens unter Liebe und der nach oben gerichtete Zug des Verlangens nach Liebe. Wie still die Musik wird, während wir auf das Ende warten, erinnert uns an die gedämpfte Stille, die die letzten Takte der Neunten Symphonie durchdringt.
Wenn Geigen und Bratschen beginnen, die aufsteigenden Liebesthemen zum dritten Mal zu wiederholen, stoßen sie plötzlich auf ein wogendes Crescendo, das nicht bis zu einer Septime, sondern weit darüber hinaus reicht.

Diese Verlängerung des ansteigenden Sept-Auftakts entspricht der Dehnung des Lichtmotivs von einer Oktave auf eine Neunte am Ende der achten Symphonie, wo sie die Erleuchtung des Seins mit der Kraft der Liebe ankündigt. Hören Sie, dass das gestreckte Intervall eine Abschiedskonnotation hat, ein Seufzer der letzten Klasse für alles, was man in der Tiefe hinter sich lassen muss. Nachdem dieser große Aufwärtsschub seinen Höhepunkt erreicht hat, stürzen tiefe Blechbläser und Streicher auf einem offenen H-Dur-Akkord in die Tiefe, mit seinem letzten Atemzug vertreibt der menschliche Geist den inneren Konflikt, der ihn so lange gequält hat, wie der gehaltene Akkord am Die Höhe der Dünung beginnt abzunehmen. Obere Streicher sinken zu den punktierten Rhythmen von erbarme auf dem Tonika-Akkord zur Ruhe kommen, wenn sich die Streicher leise auf diesen Akkord einschwingen, ruft Horn sanft den Geist zu einem ewigen Stück auf einer zweimal wiederholten steigenden Quinte, die die steigende Septime ersetzt, mit der das Liebesthema begann, wie anders diese steigenden fünfter Ton im Vergleich zu denen, die die Hörner außerhalb der Bühne während des Finales der Zweiten Symphonie behaupten, ein weiterer Aufruf zum ewigen Frieden, der sich auf die Dominante des Tonika-Akkords legt, die Musik verklingt langsam, als sowohl der Satz als auch die Symphonie zur Ruhe kommen und friedliche Nähe.

Wenn der letzte Satz der Neunten ein Gebet um die Erlösung der Seele ist, so ist das Finale des Zehnten Mahlers Antwort auf dieses Gebet. Es ist eine Antwort, die durch Konfrontation und Kampf mit den zerstörerischen Kräften in ihm erreicht wird. Durch die Auseinandersetzung mit diesen Kräften findet Mahler einen Weg, mit seinen inneren Dämonen Frieden zu schließen.

In seinem letzten, wenn auch unvollendeten Werk, das sein vielleicht größtes hätte sein können, wenn er noch gelebt hätte, um es zu vollenden, stellt sich Mahler ein letztes Mal den Dualismen, die die meisten seiner Symphonien beherrschen: Leben und Tod, Liebe und Hass, Heroisches und Dämonisches, oder wieder Gegenstand eines symphonischen Dramas, das den Konflikt zwischen ihnen, der für ein gesundes menschliches Leben so notwendig ist, und die Fähigkeit, sich im künstlerischen Schaffen zu manifestieren, sowohl aufdecken als auch auflösen will. So entdeckt Mahler, was seiner Musik entlang des Handlungskonzepts der Vereinigung der Gegensätze, das bis heute seine Bedeutung in der humanistischen Philosophie hat, implizit war, dass er die Bedeutung dieses Prinzips als lebensbejahend und lebensbejahend begreifen konnte Musikalisch vermittelt ist eine bemerkenswerte Leistung, dass er seine persönlichen Ängste herausarbeiten konnte, indem er sie in seiner Musik verallgemeinerte, ist sowohl ein Maß für sein künstlerisches Genie als auch für die Tiefe seines philosophischen Geistes.

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Von Lew Smoley